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J. ESTEVE

En uno de los mejores momentos de Clerks 2, a Kevin Smith se le aparecieron las musas para hacer una reducción a la mínima esencia de la trilogía de El señor de los anillos. En un determinado momento, uno de los protagonistas se quejaba de la calidad de las cintas de Peter Jackson argumentando que "son tres películas de gente caminando de un lugar a otro".

Reduciendo al absurdo Meek's Cutoff, cinta que se ha presentado hoy en la Mostra como la apuesta más importante del día, podríamos decir lo mismo. Un centenar de minutos en los que un grupo de colonos del oeste americano vagan en busca de la tierra prometida. Del lejano Oeste, vamos.

Dejando la mala leche aparte, Meek's Cutoff, de Kelly Reichardt, tiene una poderosa virtud. Porque aunque no pase gran cosa en pantalla, la intriga por saber qué va a ser de ese grupo en plena travesía por las llanuras del mid-west americano atrapó a gran parte de la sala hasta el los títulos de crédito.

Entre medias, y sin olvidar que esto es un western, atípico, pero un western, varios clásicos del género: el indio que amenza al grupo, el pistolerlo sin piedad que no se anda con tonterías, la mujer que los tiene mejor puestos que muchos de los hombres del grupo. Debería rascar algo en el palmarés del próximo sábado, pero la intriga y la tensión que Reichardt consigue crear con los elementos mínimos, es digna de elogio.

Otra de orientales y mamporros

Con Detective Dee and the mistery of the phantom flame, de Tsui Hark, ya son tres las cintas orientales de acción que la Mostra ha programado hasta el momento. Tres. Que se dice pronto. A estas alturas, hablar de la sinopsis de otra cinta de época en la que los protagonistas se abren paso a través de hordas de enemigos gracias a sus dotes para el combate cuerpo a cuerpo, parece una broma. En todo caso, Detective Dee se lleva la medalla de plata en la subsección oriental de la Mostra. Reign of assassins, esa codirección de John Woo, tenía más empaque.

Y la jornada se ha cerrado con la chilena Post mortem, en la que seguimos la vida de un tipo encargado de transcribir los informes de un forense. Es uno de esos ejercicios de cine de autor que bordean la línea entre el coñazo y la genialidad. El coñazo lo ponen su primera hora -insufribles planos fijos, un protagonista con la misma expresividad que una piedra- y la genialidad el tramo final, autopsia a Salvador Allende incluida.

Con la segunda semana del festival llega el desembarco español. Mañana es el día de Caracremada, opera prima de Lluis Galter, una historia de un maquis en los años centrales del franquismo y el martes le llega la hora a Álex de la Iglesia y su Balada triste de trompeta.

J. ESTEVE

Los grandes festivales de cine son el mejor escaparate posible para los grandes estrenos de la temporada. Directores y, sobre todo, productores, lo saben, y aprovechan cualquier oportunidad para intentar colar sus últimos trabajos en el certamen más cercano, o en el de mayor prestigio.

Muchos son los cineastas que apuran hasta el final los plazos

Cannes ya sabe lo que es tener a Wong Kar Wai trabajando con su montador en pleno festival para acabar a tiempo 2046 y presentarla ante la audiencia más exigente del mundo. Y muchos son los cineastas que apuran hasta el final los plazos para llevar a tiempo su obra, aunque más tarde tengan que hacer algún ligero retoque, como le pasó a Tarantino con sus bastardos hace más de un año.

Esta vez el cineasta que más canutas las está pasando para llegar a tiempo a la premiere de Venecia no es, ni más ni menos, que nuestro representante: Álex de la Iglesia. El realizador, al que se le espera este martes en el Lido, llegará con el alivio de haber acabado su trabajo con el tiempo justo, este jueves por la noche informaba en su blog que por fin había finalizado el montaje de Balada triste de trompeta.

La salvajada, por ponerle algún calificativo, comenzó en enero de este año, con el rodaje de la cinta que se extendió hasta finales de marzo. Y como bien cuenta el propio de la Iglesia en el blog que ha montado para contar los tejemanejes de su nueva cinta, todo se comenzó a complicar tras el festival de Cannes.

¿El motivo? Un tráiler bien acogido y unos productores ávidos de dar un golpe de efecto. Y en ese momento llegó el caos: querían que la cinta estuviera terminada a tiempo para llegar a la Mostra, con tan solo tres meses más de trabajo por delante y gran parte del proceso de montaje y posproducción pendiente. Una locura.

Durmiendo en el suelo

A partir de aquí, por las peripecias que el director narra en su blog se podría rodar una película aparte. Director y montador, juntos, en una carrera contra el reloj y contra el sueño. Lo narra de la Iglesia con sus propias palabras: "Alejandro [el montador] ya no es persona, es un guiñapo. Está durmiendo en el sofá. Yo he tenido la suerte de que me tocase el suelo, porque, como vísteis en el post anterior, ayer le tocó a él.

Sí, es absurdo. Podríamos traer una cama, una de esas hinchables, la Restform de los anuncios, o irnos a casa, sin más. Pero es que la idea es no dormir, la idea es trabajar, y lo de dormir siempre resulta casual".

Pero al final, como en las buenas historias, todo se ha arreglado a última hora. Hasta el deseo de de la Iglesia de que "en Venecia programen la cinta de las últimas". Mañana lunes, a última hora, es el primer pase para la prensa. El martes, el estreno oficial, con las entrevistas y demás parafernalia.

Y una vez acabada Venecia, aún queda la parte más engorrosa: la promoción. Decenas de entrevistas en las que a de la Iglesia le va a tocar responder, con matices, a las mismas preguntas una y otra vez. Qué más da. Una vez que ha llegado a Venecia la promoción es el siguiente paso natural. Y hasta podrá dormir en su cama, y no en el suelo mientras su montador pone a punto el último plano de la jornada.

J. ESTEVE

¿Quién no se ha flipado alguna vez con alguna escena de acción a lo John Woo? El hongkonés se ha convertido, a lo largo de los años, en un icono de las cintas plagadas de tiros, persecuciones y demás parafernalia que envuelve a los tipos duros del lejano oriente y de Hollywood, a partes iguales. El padre de clásicos de la acción como Face/Off o The Killer ha recibido en Venecia el León de oro honorífico por una carrera dedicada a lo que mejor sabe hacer: provocar emociones frente a la pantalla.

Un día depués de haber sido premiado y de haber presentado Reign of assassins, en la que codirige el metraje, Woo se ha presentado ante la prensa en la terraza del Excelsior para, entre otras cosas, repasar su carrera, sus planes de futuro y compartir pensamientos sobre su etapa en Estados Unidos.

De esta última lamenta que en Hollywood "se tarda demasiado tiempo en tomar decisiones" y no cuenta con la libertad necesaria para rodar de la misma manera que lo hace en su país natal. "En China tengo mucha más libertad, lo puedo controlar todo y hace el trabajo mucho más simple", aclara.

Después de rodar clásicos del cine de tipos duros como The Killer o Hard boiled, a Woo le llegó una oferta tentadora: viajar a Hollywood para ponerse al frente de una película de estudio. De esa época nacieron cintas como Broken Arrow, Mission: Impossible 2 o 'Face/off', entre otras. Aunque de esta última es de la que guarda mejor recuerdo. "Me dijeron que querían una auténtica película de John Woo y me dejaron hacer lo que quisiera", comenta con una sonrisa en los labios.

Rodar en Europa, pero no en 3D

La etapa americana parece cerrada por el momento. Woo ha vuelto a China donde ha rodado varios proyectos y no tiene intención de volver a sufrir los rigores de la maquinaria de Hollywood. Pero no cierra puertas a otros destinos: "Me gustaría rodar en Europa. No me importa si es en Francia o en algún país de Europa del Este, pero me gusta aprender de otras culturas".

A sus casi 64 primaveras, las cumple el próximo día 23, Woo se confiesa como un cineasta chapado a la antigua. Ante la inevitable cuestión acerca del 3D, el director se muestra satisfecho con la novedad -"me gusta", admite- pero no considera cambiarse de bando. "No tengo tiempo para aprender a rodar de nuevo, soy un director a la antigua usanza",finaliza.

J. ESTEVE

La Francia futbolística puede andar con la cabeza gacha envuelta en un fracaso tras otro (el último, perder contra Bielorrusia en casa), pero la Francia cinematográfica no se puede quejar de su andadura por los Mundiales del cine, o lo que es lo mismo, los grandes certámenes del celuloide.

Si el año pasado 'Un profeta' fue, quizás, lo más notable de Cannes, en este 2010 François Ozon nos ha regalado una entretenida comedia, muy de agradecer en estas fechas, y que además cuenta con la virtud de juntar en pantalla a Catherine Deneuve y Gerard Depardieu.

'Potiche', que así se llama la obra del galo, podría pasar por momentos por un vodevil, aunque su seriedad la pierda en algunos momentos. Ambientada a finales de los setenta, 'Potiche', palabra francesa para designar a las mujeres florero, cuenta la historia de una ama de casa (Deneuve) que harta de una vida de hastío un casa soportando una cornamenta monumental, decide liderar su propia revolución primero en casa, luego en el trabajo, más tarde en la política.

Con Potiche, Ozon se pasa a la comedia ligera, de guante blanco. Un cambio de registro más en un autor capaz de firmar dramones antológicos ('El tiempo que queda') o dramas fantásticos ('Ricky') con la misma soltura y naturalidad con la que en 'Potiche' adopta las reglas de la comedia como si fueran suyas.

De la misma manera que le sucede a Takashi Miike, director japonés prolífico y amigo de cambiar de géneros como de camisa y al que también veremos en esta Mostra, con Ozon ya no se sabe si es un gamberro polifacético o un autor que acepta sin problema los guiones que le proponen.

Otra de artes marciales de época

La cosa se puso de moda con 'Tigre y dragón', siguió sumando adeptos con 'Hero' y 'La casa de las dagas voladoras' y en 2010 nos llega 'Reign of assassins'. Se resume en cuatro pinceladas: épica, época, espadas y artes marciales. O marcianas. Codirige John Woo, pero el crédito se lo lleva Chao-Bin Su, que ha sido el padre de la criatura. Michelle Yeoh vuelve a un papel similar al de 'Tigre y dragón' y aunque la mano de Woo no se nota en exceso (ausencia de palomas aparte), la cinta cumple con su propósito. Entretiene, aunque de haber aparecido diez años atrás hasta habría conseguido cierto nombre.

La jornada se completó con la rusa 'Silent souls', una historia sobre culturas en extinción en plena estepa rusa narrada con la misma alegría con la que uno se acerca a un análisis de sangre. Afortunadamente, la tortura solo duró 75 minutos.

EFE

Una actriz que intervenía como extra en la película Transformers 3 resultó herida grave el pasado miércoles en Hammond (Indiana, EEUU) durante el rodaje de una escena, según recoge este viernes la prensa estadounidense.

La investigación preliminar reveló que el accidente tuvo lugar cuando el equipo de filmación grababa una escena de acción en la que intervenían numerosos coches y conductores, explicó la Policía estatal de Indiana en un comunicado.

"Durante la grabación de esa escena, un objeto fue a parar contra un Toyota de 2006, atravesó la luna frontal del vehículo y golpeó a la conductora", según afirman las autoridades. La mujer, Gabriella Cedillo, de 24 años, sufrió una lesión seria en la cabeza y fue trasladada al centro médico Loyola, en Maywood (Illinois).

Según el blog especializado Deadline, el coche era propiedad de la actriz, quien no formaba parte del equipo de especialistas de la cinta y que cobraba 25 dólares por prestar su vehículo para la grabación de la escena. Medios locales citan a otros extras del rodaje para explicar que el Toyota de la mujer debía ser arrastrado por un segundo vehículo, pero que el cable de acero que unía a ambos se rompió y atravesó el coche de la víctima, provocándole serios cortes en la cabeza.

La taquilla conjunta de Transformers y su secuela Transformers - La venganza de los caídos, ascendió a más de 1.500 millones de dólares en todo el mundo. La saga, dirigida por Michael Bay, cuenta en su reparto con Shia LaBeouf y Megan Fox, aunque ésta no intervendrá en la tercera entrega.

J. ESTEVE

Ha sido el primero en encender la mecha del cine español en Venecia, que este año cuenta con cuatro representantes (aunque el cuarto sea Lope y para cuando se proyecte en la Mostra ya se habrá estrenado en todo el país). José Luis Guerín presentó el jueves en Venecia Guest, un documental en el que ha trabajado durante tres años, recogiendo testimonios de sus viajes alrededor del mundo.

"Comencé utilizando una cámara como un sistema defensivo ante la realidad y acabé utilizándola para relacionarme con el mundo", asegura en una charla informal que mantuvo con periodistas en el Club Orizzonti. El mundo de Guest es el mundo de un realizador que viaja de una punta a otra del planeta invitado por diferentes certámenes de cine para presentar su trabajo.

Venecia ha sido la escogida para presentar Guest porque el mismo festival fue el que propició el inicio del documental. Hace tres años, en 2007, Guerín participó en la sección oficial de la muestra veneciana con En la ciudad de Sylvia y fue esa misma cinta la que llevó a emprender una odisea que abarcó todos los rincones de la Tierra. El título, Guest, es una constante del viaje de Guerín ya que siempre recibía una acreditación en cada hotel en el que se alojaba con la palabra escrita en ella.

Regusto a 'Callejeros'

A medida que avanza el viaje de Guest, la sensación que preside la cinta del autor de Tren de sombras es la de estar delante de un Callejeros viajeros en versión cinematográfica y rodada en un exquisito blanco y negro. Aparecen personajes sin ton ni son, ya sean de La Habana o de Macau, contando historias, vivencias y opiniones sobre temas diversos. Pero más allá de la ristra de encuentro del director, no hay un hilo conductor que enganche al espectador.

Este aspecto televisivo de Guest no ha sido premeditado. Guerín se aleja de la televisión, a la que califica de "maquinaria", para calificar su obra: "Yo soy una persona y me gusta usar la cámara para soñar películas. Tengo una ética en mi trabajo. La televisión no me interesa, saca de contexto pedazos de realidad para resaltar situaciones grotescas. Prefiero a Chaplin o al neorrealismo italiano".

Venecia, punto de partida de Guest, volverá a estar el año que viene en la agenda de Guerín. Marco Mueller, director de la cita italiana, le pidió al realizador español que formara parte del jurado de la próxima edición. Este año, mientras tanto, se ha enmarcado en la sección Orizzonti, a pesar de haber competido ya en sección oficial con anterioridad. ¿La causa del cambio? "Creo que la Mostra me ha querido proteger. Una película rodada con una cámara y sin equipo podría suscitar iras terribles", aclara.

J. ESTEVE

Hay cosas en esta vida que nunca cambian. El mensaje del Rey en Navidad, los anuncios de la vuelta al cole en septiembre y las joyas que, cada dos o tres años, nos regala Sofia Coppola.

La cuarta pieza de bisuteria de la colección de la pequeña de los Coppola lleva por nombre Somewhere y supone una vuelta a los terrenos en los que la directora se maneja mejor: la soledad, los pequeños placeres de la vida, las relaciones personales. Podríamos estar ante un nuevo Lost in translation aunque esta vez la acción no transcurra en Tokyo, si no el Chateau Marmont de Los Angeles, residencia de una estrella de Hollywood.

En esta ocasión Coppola ha optado por contar con Stephen Dorff para cargar con el peso de la cinta. A a pesar de ser un actor de segunda fila, sale airoso en su interpretación de Johnny Marco, una estrella del celuloide que vive en un mundo de ensueño: alojado en un hotel de lujo, sus mayores preocupaciones son conducir un Ferrari, asistir a actos promocionales o descifrar mensajes de texto de remitentes desconocidos. Y, de vez en cuando, cuidar de su hija de once años. Éste será el punto de partida de la cinta, la visita del retoño y la relación que mantienen ambos personajes.

Y en esa relación es donde se paladean los mejores momentos de Somewhere. Una relación cómplice entre un padre ausente y una hija que sabe que su progenitor no deja de ser un canalla con una cuenta corriente abultadísima y que vive a sus anchas: coches de lujo, mujeres a todas horas, suites de lujo en Europa. "He crecido viviendo en hoteles," - ha explicado Coppola - "me interesan porque son un lugar de paso con personajes interesantes".

Es en ese punto donde Somewhere se desmarca de Lost in translation, en el elogio a los pequeños placeres de la vida: un desayuno en familia, un helado en compañía. Junto a los hoteles, la soledad vuelve a ser otra de las piedras angulares. "Es interesante observar a las personas en estados de transición, en ese momento se aíslan del contexto que les rodea", ha explicado la hija del realizador de El Padrino.

Cuando dos y dos suman cuatro

Happy Few, cinta francesa de Antony Cordier, completó el jueves la cuota de sección oficial de la jornada. Una historia de parejas, de dobles parejas y de intercambio de las mismas que se ve venir desde el minuto uno hasta el pitido final. Desde la excitación inicial por el cambio vital que rompe con la rutina diaria hasta la desconfianza, los celos y la ruptura definitiva, las intenciones de Cordier se pueden adivinar a medida que pasan los minutos. No quedará entre los trabajos más destacados de esta Mostra.

La jornada se cierra este viernes con el león de oro honorífico para John Woo, que aprovecha su visita al Lido veneciano para presentar Reign of assassins, su último trabajo, donde vuelve a hacer aquello que mejor se le da: cine de acción, acción y más acción.

M.M.

Entretener. "Es lo que haría Lope". Y bien que lo consigue la película sobre el escritor del Siglo de Oro que este viernes llega a los cines, dirigida por el brasileño Andrucha Waddington, gracias a tres factores fundamentales: versos, amor y aventuras.

Con el Alberto Ammann como protagonista absoluto, flanqueado por dos mujeres antagónicas, Pilar López de Ayala (Elena Osorio) y Leonor Watling (Isabel de Urbina), y un reparto coral de secundarios de lujo, en el que destacan Luis Tosar (Fray Bernardo) y Juan Diego (Velázquez), Lope no es un largometraje de época más. Es la cuidada visión de "la fundación de un artista", del prolífico autor de Fuenteovejuna o La dama boba. Una película que sorprenderá a muchos por su sencillez, por sus discretas pretensiones.

Con una forma de rodar "muy particular" -los movimientos en la imagen le delatan-, el cineasta consigue acercar una importante figura literaria al público en general, sin adornos e incidiendo, sobre todo, en "la dramaturgia". La historia de Lope de Vega, "sobre el que se podrían hacer 30 películas", se centra en el regreso de la guerra de un joven soldado y su pasión por el teatro y la poesía, además de por las damas, que caen rendidas a sus pies por su talento y, por qué no decirlo, por sus maneras de galán.

El rodaje, explica Waddington, fue duro de preparar, pero resultó ser "un proceso agradable" de un año y cuatro meses en el que todos los planos y escenas surgieron solos en función de lo que los actores estuvieran dispuestos a dar. Primero construyó el drama; después, puso la cámara.

Un universo desconocido

Y eso que casi no conocía la vasta obra del genio madrileño cuando llegó a sus manos el guión de Jordi Gasull e Ignacio del Moral, lo que le permitió "bucear en un universo desconocido" de rimas y sentimientos con forma de palabra. Ambientada en la capital española y en Lisboa, aunque rodada en El Escorial, Toledo y Marruecos, entre otras localizaciones, Lope pasará la prueba de fuego, además de en la taquilla, en los festivales de Venecia y Toronto, a los que acude sin competir.

Bautizada como la "película del año", esta superproducción de 13 millones de euros ha sido llevada a la gran pantalla por el brasileño, que ha ejercido también de productor, con "la misma dedicación" con la que hizo Casa de arena en 2005, uno de sus trabajos más alabados.

Lope es una coproducción hispano brasileña. El casting hasta encontrar a los actores, entre los que se encuentran también Antonio de la Torre, Sonia Braga o Jordi Dauder, duró varios meses y, en palabras del propio equipo, "fue muy duro". Una de las escenas que más trabajo costó es en la que Lope entrega a Velázquez una de sus obras retocadas: ocho horas pasaron los implicados en el set sin grabar sólo para entender su mecánica.

El rodaje duró nueve semanas y media y el atrezzo y los decorados se construyeron de forma artesanal: hasta se encargaron a un astillero dos barcos de madera como los que se utilizaron en la Armada Invencible.

EFE

Cammie King Conlon, la actriz que de pequeña dio vida a la hija de Rhett Butler y Scarlett O'Hara, los personajes protagonistas de Lo que el viento se llevó, falleció este miércoles, a los 76 años, en Fort Bragg (California), debido a un cáncer de pulmón.

Según informó el diario local Santa Rosa Press Democrat, Conlon fue la elegida, cuando tenía 4 años, para interpretar el personaje de Bonnie Blue Butler en el clásico de King Vidor, de 1939. En el filme, la muerte de su personaje causa un daño irreparable en el matrimonio formado por Clark Gable y Vivien Leigh.

"Recuerdo que Clark Gable era un papá encantador, era muy considerado conmigo", declaró Conlon, quien sin embargo no recordaba nada "en absoluto" de Leigh.

Aquel papel fue el debut en el cine para Conlon, uno de los últimos actores del filme que quedaban con vida. Por aquel rol, que apenas le exigió unas pocas escenas antes de que su personaje muriera a consecuencia de una caída en pony, cobró 1.000 dólares. "Alcancé el pico de mi carrera a los 5 años", bromeaba habitualmente la actriz, quien dos años después prestó su voz a uno de los personajes de Bambi. Esa sería su última intervención en el cine.

Conlon se había licenciado en Comunicaciones por la Universidad de California del Sur y trabajó durante buena parte de su vida en la cámara de comercio de Mendocino (California). El año pasado publicó un libro acerca del rodaje de la cinta, llamado Bonnie Blue Butler - a Gone with the Wind Memoir.

Conlon se divorció una vez y enviudó dos veces, según explicaron miembros de su familia. Le sobreviven dos hijos, Matthew Ned Conlon y Katie Conlon Byrne, y tres nietos. Lo que el viento se llevó sigue siendo la película que más entradas de cine vendió en la historia, con 202 millones.

J. ESTEVE

Danny Trejo

Suena a la típica historia de superación propia de los pioneros estadounidenses. Danny Trejo no era más que otro chico conflictivo de Los Ángeles. Con los años, y junto a su tío, Trejo empezó su particular descenso a los infiernos.

Trejo acabó convenciendo al director Andrey Konchaovsky para aparecer en la pantalla

A su adicción a las drogas sumó sus primeros flirteos con la delincuencia callejera. El resultado: se convirtió en un habitual de las cárceles para adolescentes. Y pinta tiene para ello con su look actual: melena hasta los hombres, mostacho imponente, pecho tatuado.

Con esas pintas, decíamos, a nadie debería extrañarle que el joven Trejo llegara a hacerse un nombre en la cárcel como campeón de boxeo. A ver quién era el guapo que le tosía al que años más tarde se convertiría en Machete. Pero como en todo buena biografía digna de Hollywood, a Trejo le llegó el momento de la redención: dejó las drogas y se alejó de malos rollos.

A mediados de los ochenta le llega la gran oportunidad: gracias a compañero recluso, el futuro actor acaba envuelto en el rodaje de Runaway train, primero como extra, más tarde con un pequeño papel.

Sus habilidades pugilísticas le sirvieron de nuevo para destacar entre el resto. El director de la cinta, Andrey Konchaovsky, le quería como entrenador de uno de los protagonistas, pero Trejo acabó convenciendo al realizador para aparecer en pantalla. Y a partir de ahí, el ascenso hasta su vida actual, una etapa que define como "unas vacaciones constantes".

El papel de su vida

En 2010 le ha llegado el papel de su vida. Robert Rodríguez, que casualmente es primo suyo, le ofreció ser el protagonista de Machete, una espiral de violencia y venganza perpretada por un inmigrante mexicano.

Trejo ni se lo pensó, llevaba tiempo preparado para ello: "Mis papeles con Rodríguez tenían nombre de arma blanca: cuchillo, navaja. Ahora me ha subido un escalón con Machete". Nombre que ya recibe Trejo en una de las cintas de Spy Kids dirigida por, cómo no, Rodriguez.

Polémica con los inmigrantes

Machete ha suscitado un debate en Estados Unidos porque no acaba de quedar claro si es una cinta que va a ayudar a la imagen de los inmigrantes mexicanos o va a perjudicarla en plena discusión sobre las reformas políticas sobre inmigración en Arizona. Trejo cree que el mensaje de la película va por otros derroteros: "Se tocan temas relacionados con la inmigración pero la denuncia se hace a la corrupción de la ley".

En la cárcel hay dos tipos de personas: los depredadores y las presas

Después de conocer de primera mano el mundo de las drogas y la delincuencia, y aprovechando la posición que le ha dado su trabajo en Hollywood, el actor conciencia a los jóvenes y les enseña qué camino no deben tomar: "He estado en sus habitaciones, por eso me escuchan. Capto su atención de inmediato y eso es algo que me ha regalado esta industria", afirma.

Lejos quedan los días de boxeo en el patio de la prisión que le llevaron a cambiar de vida. "En la cárcel hay dos tipos de personas: los depredadores y las presas. Si estás en un montón de mierda es mejor estar arriba. Allí uno se convierte en alguien que ni conoces. Y para salir adelante hay que cambiar", aseguró este miércoles en su encuentro ante la prensa.

Ahora es un hombre nuevo. Tanto, que se ha convertido en "el primer superhéroe latino". Y apostilla: "Me siento genial".

J. ESTEVE

Mostra de Venecia

La Mostra de Venecia puso este miércoles el listón demasiado alto programando Black Swan y Machete a las primeras de cambio. El resultado de empezar con uno de los platos fuertes es que los días venideros parecen menos interesantes. Y a pesar de que la segunda jornada prometía, con un par de trabajos interesantes, los ánimos del respetable han sufrido alguna que otra dececpción.

La primera ha corrido a cargo de Julian Schnabel. Decepción de las gordas y que ha desembocado en abucheos por parte de la crítica reunida en el certamen. Miral, su nuevo trabajo, es una presunta oda al entendimiento entre palestinos e israelís en la que ambos bandos acaban estereotipados hasta extremos vergonzosos.

Los buenos, muy buenos; los malos, malísimos. La historia transcurre a través de los ojos de Miral, una joven palestina que descubre el mundo y la realidad que la envuelve a finales de los 80 y a la que acompañamos hasta la firma de los acuerdos de Oslo.

A caballo entre el drama o una cinta puramente política, Schnabel acaba por no decantarse por ninguno de los dos lados, lastrando el resultado final.

Aunque el realizador, en rueda de prensa, ha admitido que en su trabajo siempre hace política: "Cualquier manifestación artística es política. No veo un cuadro solo para divertirme de la misma manera que no hago mis películas solo para entretener". El cineasta estadounidense ha justificado su producción mirando a sus raíces. "Era mi responsabilidad, como judío americano, contar esta historia desde el otro lado", ha explicado a los presentes.

La nostalgia de los viejos tiempos

Norwegian wood, la adaptación del superventas Tokyo Blues del japonés Haruni Murakami, era otro de los platos esperados en esta segunda jornada. El vietnamita Tran Anh Hung se ha encargado de firmar una obra de más de dos horas en la que acaba cumpliendo la máxima de que lo que funciona en el papel no tiene por qué resultar en el celuloide. Fiel al estilo de Murakami, Norwegian wood narra, con demasiados subrayados, la relación entre Matsuyama y Naoko, consumidos por la muerte de su amigo y que afrontan su pérdida por caminos opuestos.

Pero pese a la frialdad emotiva de este Norwegian wood, Hung se esfuerza por retratar con gran esmero ese tramo final de los sesenta. Sabe darle ese aire de belle epoque, de recordar una época que ya no volverá, y su preciosismo visual ayuda a no caer en el tedio.

Que la banda sonora corra a cargo de Johnny Greenwood, guitarrista de Radiohead, es otra señal de que el realizador se ha esmerado en dar el mejor empaque formal a su trabajo.

Homenaje a Bruce Lee

Afortunadamente, y a pesar de las pequeñas decepciones que han supuesto Miral y Norwegian wood, el resultado final no ha sido un completo desastre como si lo fue la proyección de The legend of the fist: the return of Shen Zhen.

Impedir a un cineasta hacer su trabajo es encerrar su mente en una celda

Ideada como una cinta de acción que sirviera de homenaje a la obra de Bruce Lee, la producción china no deja de ser otro festival de mamporros que podemos ver en cualquier sobremesa casera con un cierto tufillo a nacionalismo chino en su mensaje. Muy olvidable.

Hablando de olvidos, Jafar Panahi. El regimen iraní prohíbe al realizador abandonar el país por lo que no ha podido acercarse a Venecia a presentar un cortometraje, El acordeón.

En un comunicado remitido al festival, Panahi agradeció el apoyo a todo el mundo del cine durante los meses que estuvo encarcelado y apostilló que, pese a haber salido de la cárcel, sigue confinado artísticamente: "Impedir a un cineasta hacer su trabajo es encerrar su mente en una celda".

R.R.

El martes ingresaba en el hospital, inconsciente según algunas fuentes, uno de los mayores mitos (en el amplio sentido de la palabra) del Hollywood dorado. Con 93 años, y convaleciente aún de una operación de cadera que la tenía inmovilizada desde julio, Zsa Zsa Gabor entraba en el UCLA Medical Center de Los Ángeles dispuesta a afrontar la enésima lucha por su vida. Una vida de libro, poblada de fiestas, lujo, brillos... Puro espectáculo.

Dicen que nunca le interesó de verdad el cine. Al menos no tanto como las ventajas materiales que implicaba ser una estrella. Sin embargo, en su currículum profesional figuran más de 30 largometrajes y los nombres de directores como Vincente Minnelli (Lili), Orson Welles (Sed de mal) o John Huston (Moulin Rouge).

Fue el capricho de su madre -modelo de profesión- lo que la hizo habitual de los certámenes de belleza de Budapest, casi desde que vino al mundo en la capital húngara el 6 de febrero de 1917. Su carrera en el mundo de la belleza culminó con el título de Miss Hungría en 1936. Estudiaba en un internado suizo cuando le llegó su primera oportunidad, un papel en una opereta. Sin embargo, fue la Segunda Guerra Mundial la que selló su pasaporte a la fama.

Su familia se trasladó a Hollywood, y allí se propuso seducir a la industria con las mismas armas que la harían célebre en el amor: "Sólo necesitas una buena delantera y un cerebro mediano, y que ambos se noten", afirmó en una ocasión. No era del todo cierto. Gabor contaba también con ironía, descaro y un gracioso acento que delataba sus orígenes y la desmarcaban de otros productos estereotipados de Hollywood.

La vida alegre

Definió mucho antes que Marilyn Monroe las bases de la ecuación que define la relación perfecta para una estrella de Hollywood. La receta es simple: deja a los hombres como términos variables y sustituye las incógnitas por quilates. "Nunca quise tanto a un hombre como para devolverle los diamantes", fue otra de sus confesiones.

Se casó por primera vez con 20 años con el responsable de prensa del Ministerio de Exteriores turco, Burhan Asaf Belge, de quien se divorció cuatro años más tarde, meses antes de contraer matrimonio de nuevo, esta vez con Conrad Hilton, dueño del imperio hotelero, que se convirtió en su esposo en 1942. Su apuesta en el terreno sentimental comenzó a dar sus sonados frutos más de una década antes de que despegara su carrera profesional. Este despegue se produjo cuando Melvyn LeRoy la eligió para el reparto de su adaptación cinematográfica del musical Roberta, que en la gran pantalla se tituló Lovely to look at (adaptado al español como El amor nació en París).

La década de luz

Para el año del estreno (1952), Zsa Zsa (que compartía nombre con el personaje de la película) tenía ya a la que sería su única hija, Francesca, nacida -según cuenta en su autobiografía- fruto de una violación de Hilton. La actriz encontró pronto refugio en los brazos de su tercer marido, el actor George Sanders, y en el rodaje del Moulin Rouge de John Huston, quien vio en ella a Jane Avril, una de las bailarinas más solicitadas del cabaret parisino.

Títulos cinematográficos como Lili (Vincente Minnelli) y No estamos casados (Edmund Goulding) se alternaron en los cincuenta, los años dorados de la actriz, con diversos productos televisivos de éxito que la convirtieron en uno de los rostros más populares de Hollywood.

Sin embargo, su faceta personal eclipsó casi siempre su trabajo. Su divorcio de Sanders dejó aflorar, una vez instalada en la frivolidad de la industria, la cara más escandalosa de Gabor, que llenó páginas de revistas con múltiples parejas ocasionales, como el playboy dominicano Porfirio Rubirosa. En 1958 filmó, a las órdenes de Orson Welles, Sed de mal.

Nunca se tomó demasiado en serio ni reivindicó que otros lo hicieran. En 1989 fue acusada de golpear a un policía cuando éste se disponía a detenerla por cometer una infracción de tráfico. La segunda parte de la comedia Agárralo como puedas recordó en 1991 el episodio: la actriz aparecía en los títulos de crédito de la cinta en actitud violenta con el coche de Policía que protagoniza el inicio de cada una de las partes de la saga.

Un corazón inquieto

Quien alucina con las andanzas matrimoniales de Liz Taylor (se ha casado ocho veces) no conoce la carrera amorosa de Zsa Zsa Gabor. La húngara ha pasado por el altar en nueve ocasiones. La última, en 1986, salió del brazo del aristócrata alemán Frédéric Prinz von Anhalt, su marido actual, quien se ha convertido en su pareja más duradera. Sus ex esposos más célebres son el empresario hotelero Conrad Hilton y el actor George Sanders (que tras divorciarse de ella se casó con una hermana suya).

No pases de...

Una peli

Moulin Rouge: José Ferrer y Colette Marchand se metieron en la piel de Toulouse-Lautrec y Marie para protagonizar la cinta musical que dirigió John Huston. La tercera en discordia del reparto era una insinuante y ágil Zsa Zsa Gabor con muchas ganas de comerse el mundo. Amazon, varios precios.

Un disco

30 Nº 1 Hits Elvis Presley. Zsa Zsa Gabor compró en 1974 una casa en Bel Air que perteneció al Rey del Rock. Casi 20 años antes, en los cincuenta, mientras Gabor rodaba sus mayores éxitos, Elvis hacía sus primeras grabaciones en Sun Records. Cualquier excusa es buena para escuchar los grandes éxitos (incontables) del genio de Memphis. 23,95 euros.

Un libro

Zsa Zsa Gabor, My Story. Escrita por Gerold Frank, recorre los inicios en el cine y la televisión de la actriz húngara vistos desde la cumbre de su carrera (1960). Otra autobiografía, One Lifetime is Not Enough, publicada en 1991, da buena cuenta de su trayectoria profesional completa y su agitada vida personal. Amazon, varios precios.

J. ESTEVE

La 67 edición de la mostra de Venecia ha arrancado este miércoles y lo ha hecho a lo grande, con Darren Aronofsky y Robert Rodríguez como invitados estrella de la jornada inaugural. Y aunque ninguno de los dos ha conseguido críticas unánimes, ambos trabajos han recibido el visto bueno de la crítica especializada.

Pocos festivales pueden contar con el privilegio de juntar a Aronofsky y Rodriguez para abrir la sección oficial. Aronofsky, un clásico de Venecia, ha sido el primero de todos. Black Swan es el título del nuevo trabajo del realizador de Requiem por un sueño, en el que vuelve a la senda formal que ya tomara con El Luchador. Más convencional que en sus primeros tres trabajos, más cercano al estilo de la cinta protagonizada por Mickey Rourke, que le valió una nominación al Oscar.

De la misma manera que a Aronofsky relanzó a Rourke, su trabajo junto a Natalie Portman en BlackSwan va a colocar a la actriz en el candelero durante los próximos meses. El premio parece cantado. Porque el Black Swan de Aronofsky es Portman, y solo Portman, en un viaje a una mente enferma, más cercana a la locura que a la cordura. A pesar de ser una propuesta más convencional, viniendo de un director que ha firmado cintas como Pi o La fuente de la vida, la crítica la ha recibido con aplausos durante los créditos.

Aronofsky no puede quejarse de su relación con Venecia. A pesar de haber despertado más odios que pasiones con La fuente de la vida, en su participación hace dos años con El luchador se llevó el León de oro, que le colocó definitivamente en el escalón de los directores de culto de su generación. Abrir la sección oficial del festival ha sido el siguiente paso de un realizador que no deberíar descarta cazar algún premio dentro de diez días.

A machetazo limpio

Robert Rodriguez se sacó de su sombrero tejano un falso tráiler sobre una cinta de venganza protagonizada por un inmigrante mexicano. Machete, que así se llamaba el falso largometraje, se incluyó antes de la proyección de Planet Terror en los cines y, como su hermana mayor, también destilaba ese sabor al cine cutre que tanto le gusta homenajear. Y lo que empezó como una broma, hace unos años, se ha convertido en una gamberrada más de Rodriguez.

Una gamberrada de más de cien minutos, en el buen sentido de la palabra. Machete es a la filmografía de Rodríguez lo que Kill Bill a la de Tarantino, un ejercicio de estilo en el que el guión pasa a un segundo plano para convertir el metraje en una sucesión de muertes, a cada cual más descabellada, y situaciones cómicas. Quizá a Rodriguez le pierde una excesiva seriedad en determinados momentos de Machete, cuando la temática le pide que se desmelene más de lo habitual, pero al final lo que cuenta es que la cinta protagonizada por Danny Trejo es un entretenimiento muy sano y muy divertido.

Contrario a otros certámenes que se guardan lo mejor de su arsenal para la segunda semana, Venecia ha apostado fuerte por los primeros días. Este jueves le llega el turno a Julian Schnabel, el director que llevó a Bardem a su primera nominación al Oscar, y el viernes será la hora de Sofia Coppola. Esto no ha hecho más que comenzar.

MIRENTXU MARIÑO

El actor protagoniza la película 'Lope' que se estrena el viernes.
Comparte reparto con Pilar López de Ayala, Leonor Watling, Juan Diego y Luis Tosar, entre otros actores.
Asegura que se aprendió los versos de su personaje recitando en su casa: "de pie, acostado, sentado, comiendo".

Alberto Ammann

Es el actor del año en la "película del año", como ya se han aventurado algunos a calificar Lope, producción española de altos vuelos en el que la acción, el romance y el teatro se dan la mano. Después de obtener un Goya por su papel en Celda 211, el argentino Alberto Ammann hace vibrar los versos del escritor del Siglo de Oro con pasión y muchas ganas.

Lo suyo ha sido llegar y besar el santo: Goya, Lope
Eso he escuchado por ahí (risas). Estoy muy agradecido, no sólo a gente muy puntual que tiene que ver con el apoyo, la elección y el camino, sino también a que los astros se hayan alineado, que eso ya responde un poco al misterio. Hay tantos actores y actrices con tanto talento que no logran tener su oportunidad, que uno lo valora el doble

¿Se siente, como dice su compañera Leonor Watling de su personaje, como una estrella de rock?
¡No, no! (risas). Yo me paro en un estadio con 60.000 personas y no sé que me pasaría por el cuerpo. Pero esa sí era una imagen muy fuerte para ayudarme con Lope, pensar quién sería hoy en día. En algunos momentos del rodaje escuchaba a los Rolling Stones para cargar pilas, era curioso, había algo muy bueno en el rock and roll, aunque también hubo momentos para la música clásica, por ejemplo para el Requiem de Mozart.

Un personaje así, ¿necesita mucha motivación?
Conlleva mucha presión y mucho de planteárselo y replanteárselo, incluso después de haber dicho que sí: los dos días de después fueron muy heavies. No duró mucho, por suerte, porque enseguida hubo que 'ir al ajo' y no tenía tiempo para distraerme, no me lo volví a cuestionar. Lo que había que hacer era romperse el lomo para sacarle jugo lo más posible al personaje dentro de unas circunstancias de tiempo muy concretas. Todo consistió en dormir poco y trabajar mucho, pero fue muy enriquecedor.

¿Cuánto se acordó del Joseph Fiennes de Shakespeare in love?
Me acordaba bastante de la película, pero no me vino a la cabeza hasta que alguien me lo dijo. En el guión de Lope hay algo que no tiene mucho que ver con Shakespeare in love, que es, podría decirse, más 'infantil', como de cuento de hadas; Lope es más madura en ese aspecto y eso me gustó. Las similitudes sobre un escritor muy importante para la época y la literatura en general existen, y de hecho Lope habló de cosas parecidas a las de Shakespeare antes incluso que él, era interesante.

¿Cuánto tuvo que repetir los versos hasta recitarlos correctamente?
¿En mi casa o en el rodaje? (risas). En el rodaje por suerte pocas, en casa muchas. Gran parte del trabajo se hace antes de rodar por el tiempo y las prisas, allí hay que dar lo más cerca del blanco que puedas, aunque luego siempre puedas sumar algo. En casa sí practicaba, de pie, acostado, sentado, comiendo

Sus amigos estarían encantados
Me quedé bastante solo en ese tiempo, no sé por qué (risas) Todo el mundo huyó de mi lado, estaba hablando solo todo el rato. Busqué profesores que me aguantaron la locura y me vinieron muy bien.

Resulta revelador su duelo interpretativo con Juan Diego, dentro y fuera del personaje.
Los que se baten a duelo son los personajes, claro, es un horror pensar que hay algo entre actores, sobre todo porque cuando yo me paro delante de Juan Diego tengo una ilusión que me desborda. Ya en las lecturas de guión me queda admirando lo que tenía que proponer, los cambios que traía hechos, etc. Era una fuente de echar agua y yo no sabía cómo recogerlo todo y estar a la altura. Lo que me quedaba era estar junto a él, aprender y mirarlo moverse en el espacio, eso fue para mi alucinante, es un crack. Hay actores y actrices que trabajan solos, por suerte Juan Diego no es uno de ellos, y además espera de ti lo mismo que él te da, aunque no es un exigente, es muy humilde.

No han hecho una comedia pero, ¿hubo diversión en el rodaje?
La verdad es que hubo momentos muy divertidos, pero siempre estabas muy conectado con el trabajo, nunca se tradujo en dispersión. Hacíamos un par de coñitas para relajar los nervios pero inmediatamente, después de un par de risas, volvíamos al tema.

¿Cuánto le seduce la fusión entre cine y teatro?
Mi finalidad era hacer teatro, lo del cine llegó luego. Pero en esta película ha sido maravilloso, sobre todo estar en esas corralas tan bien hechas, fue un viaje al primer amor, cuando yo me di cuenta de que estaba enamorado del teatro.

Dada su procedencia, la familia que tiene y lo que vivieron en Argentina, ¿le gustaría algún día meterse con un personaje o una historia política?
Me encantaría Llegará, seguramente cuando pase de los 45, pero esperaré muy gustoso.

BIO. Nació en Córdoba (Argentina) en 1978. Su papel de funcionario de prisiones en Celda 211, de Daniel Monzón, le hizo merecedor del Goya al mejor Actor Revelación en la pasada edición de los premios.

MIRENTXU MARIÑO

Se declara fan del cine en el que "no se habla" y del talento argentino; de su amante en la ficción, Alberto Ammann, habla maravillas. Pilar López de Ayala vuelve a ponerse el corsé para interpretar a Elena Osorio en Lope, un papel en el que despliega complejidad y arrebato.

No estrenaba desde 2008 y ahora tiene entre manos cuatro proyectos, ¿cómo lo lleva?
Cada cosa tiene su tiempo, y cuando estas con algo intentas apartar un poco lo que viene. Sí que tuve, por lo menos, algo de tiempo cuando rodaba Lope para preparar Medianeras, que fue la película que hice después en Argentina, pero nunca me he vuelto loca en ese sentido. Lo esquizofrénico sería salir del teatro e ir a rodar, como hace mucha gente.

¿Qué haría su personaje si se plantara en el siglo XXI?
Lo mismo, porque es una mujer muy contemporánea, adelantada a su tiempo y que arriesga mucho viviendo una aventura en sus circunstancias, en una sociedad en la que se condenaba a las mujeres por adulterio. Lo cierto es que ella querría seguir toda la vida con Lope, pero él no está dispuesto a renunciar a nada, son en ese sentido muy iguales.

¿Es más difícil ser protagonista o interactuar con un gran equipo como el de Lope?
Te sientes muy agradecida porque compañeros como Jordi Dauder, Luis Tosar, Juan Diego o Antonio de la Torre quieran participar y aportar su granito de arena, son grandes actores y siempre van a enriquecer una historia. Y es muy bonito hacer una rueda de prensa y sentir que somos una piña y que hay algo fuerte que hemos terminado juntos. Lo he vivido en diferentes películas y sé qué se siente haciendo protagonistas o cualquier personaje de otro tipo.

¿En España les tenemos miedo a las superproducciones?
No tengo esa sensación. Tampoco he pensado nunca que esto lo fuera, aunque luego eso ha tomado forma, y desde luego no es algo con lo que cuentes a la hora de tomar una decisión. Supongo que decir que es la película del año es bueno para los que intentan venderla y para este negocio

¿Pone algún tipo de meta a sus registros interpretativos?
Me gusta haber tenido la oportunidad de trabajar con directores con una mirada tan diferente en el cine, en todas las películas me he sentido igual de implicada y en todas he aprendido algo. Cuando me ofrecen un proyecto sólo pienso en que me guste la historia, el guión es lo básico; si me engancha no pienso, por ejemplo, en si es de época o no, me doy cuenta cuando los demás de lo decís o en cuanto me pongo el corsé.

¿No ha pensado nunca en dirigir?
Qué curioso que me hagáis esta pregunta, bastante tengo yo con ser actriz (risas). Es muy absorbente.

Usted vivió un boom parecido al de su compañero, Alberto Ammann
Entiendo bien el momento por el que puede estar pasando, y por eso siento mucho cariño por él, está muy capacitado y tiene recursos de sobra para disfrutar del momento o para aprender a hacerlo.

¿Le tientan mucho con la televisión?
No me ofrecen proyectos, así que no me puedo plantear hacer nada o ni siquiera pensar si me gustaría. Pero si alguien me viene con algo atractivo, podría considerarlo.

BIO. Madrileña, nacida en 1978, se hizo popular a su paso por la serie televisiva Al salir de clase. Saltó al cine con Báilame el agua. Ganó el Goya en 2001 por Juana la loca, de Vicente Aranda.

EFE

Las heridas que los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001 dejaron en los neoyorquinos es el tema principal de Clear Blue Tuesday, el primer filme musical sobre la tragedia y que se estrena esta semana en Nueva York.

Dirigida por Elizabeth Lucas, la arriesgada cinta se centra en las historias de once neoyorquinos, unos personajes a quienes se sigue en los distintos aniversarios de los ataques que acabaron con la vida de casi 3.000 personas en la Gran Manzana, para retratar el efecto que en ellos tuvo la barbarie de Al Qaeda.

"Todos tenemos una historia del 11-S", explica la directora en la página web promocional de la cinta, donde destaca que, "pese al duelo público, la guerra y el debate político, parece que aún tenemos que tener una discusión personal sobre el impacto que tuvo ese acontecimiento en cada uno de nosotros". Con ese convencimiento como punto de partida, Clear Blue Tuesday, que no cuenta con imágenes directas de la tragedia, retrata, con la ayuda de temas musicales, las vidas de once personas a las que, como a tantos otros neoyorquinos, los atentados les empujaron a tomar decisiones para cambiar su vida.

"He oído muchas historias sobre los cambios en la vida que provocó el 11-S. Cambios profesionales, ajustes de prioridades vitales, búsquedas o pérdidas de relaciones sentimentales, búsquedas de Dios... Se trata de historias que hablan de resistencia, duelo, ira, culpa, miedo, amor y determinación", sostiene Lucas.

Aquellos atentados fueron, según recuerda la directora, "un catalizador para los cambios personales, tanto buenos como malos", algo que quiere reflejar en una cinta que se rodó en la Gran Manzana en 2007 y que "no es una película del 11-S" -de las que ya se han producido varias cintas y documentales-, sino "un cuento sobre lo que ocurrió después".

"Hubo quien abandonó Nueva York y quien decidió quedarse para siempre", señala Lucas, que reconoce que hay quienes aseguran que sus vidas cambiaron para mejor tras el 11-S, ya que la tragedia los hizo ser "más agradecidos, estar más alerta y determinados a deshacerse de las influencias negativas de sus vidas".

Así, los distintos protagonistas de la película, que vieron cómo los aviones comerciales pilotados por terroristas hacen caer las Torres Gemelas del Bajo Manhattan, se enamoran y desenamoran, pierden y encuentran empleo, conocen a gente que les cambiará la vida y toman decisiones difíciles mientras superan la tragedia en los siguientes siete años tras los atentados.

Clear Blue Tuesday se estrena el 3 de septiembre en los cines Quad de Manhattan, donde estará en cartel dos semanas, coincidiendo con el noveno aniversario de los ataques contra el World Trade Center.

J. ESTEVE

Fiel a su cita con los últimos coletazos, Venecia da la bienvenida a partir de hoy a la 67ª Mostra del Cinema, y lo hace con un interés especial para nuestro cine ya que contaremos con la presencia de Balada triste de trompeta, el último trabajo de Álex de la Iglesia, entre las cintas seleccionadas para hacerse con el león de oro de la cita italiana.

Una Mostra que cuenta, a priori, con un buen puñado de nombres y de propuestas interesantes. Empezando por los nuestros, el presidente de la Academia, Álex de la Iglesia, vuelve al ruedo después de Los crímenes de Oxford. Y regresa con una comedia que puede recordar a Muertos de risa, y en la que dos payasos de circo luchan por el amor de una trapecista.

Ambientada en la Guerra Civil y en los 70, el proyecto del realizador de El día de la bestia es una de esas propuestas que, de contar con el favor de la crítica, puede caer bien en un festival en el que la sección oficial suele estar saturada de drama y cine social.

En esta ocasión, de la Iglesia vuelve a contar con un equipo formado por actores españoles. Después de contar con William Hurt y Elijah Wood para Los crímenes de Oxford, en esta ocasión ha contado con Antonio de la Torre, intérprete al alza, como pudimos ver en Gordos, y Carlos Areces, con el que ha trabajado en Plutón B.R.B. Nero y uno de los habituales de los programas de Joaquín Reyes.

Aronofsky y Rodriguez, a las primeras de cambio

Pero la sección oficial va a contar con varias perlas a las que habrá que seguir de cerca. Empezando por el primer día. A diferencia de otros grandes certámenes que suelen guardarse los platos fuertes para cuando el festival ya lleva unos días en marcha, en las primeras horas aterrizarán en el Lido Darren Aronofsky, con Black Swan, y Machete, de Robert Rodriguez.

El primero es uno de los realizadores de cabecera de la Mostra. Ganador del león de oro hace dos años con El luchador; abucheado y ovacionado a partes iguales cuando presentó La fuente de la vida, el realizador presenta una historia de rivalidades entre dos danzarinas. La cuota de glamour correrá a cargo de Natalie Portman y Winona Ryder.

Rodriguez llega a la ciudad itailana con su última locura, procedente de aquel Planet Terror que estrenó en los cines junto a Death Proof, de Quentin Tarantino. En Planet Terror, Rodriguez rodó un tráiler falso para una cinta de venganzas llamada Machete, en la que un inmigrante mexicano se pasaba por la piedra a un grupo de mafiosos que pretendían sacárselo del medio.

El tráiler tuvo tal éxito que Rodriguez se animó a rodar Machete y convertirlo en un largometraje. A diferencia del tráiler, en el que destacaba Danny Trejo junto a un puñado de secundarios, el realizador se ha rodeado de Jessica Alba, Robert de Niro y hasta Don Johnson, una mezcla ideal para empezar la Mostra con un toque desenfadado.

Sofia Coppola dinamitó los cimientos del cine independiente con Lost in Translation para luego sufrir a la crítica más ortodoxa con María Antonieta. Cuatro años después, ha finalizado Somewhere, en la que acompaña a un actor de Hollywood sorprendido por la visita de su hija.

Si a la hija del realizador de El Padrino le ha bastado con un puñado de películas para hacerse un nombre en el Olimpo de los realizadores de culto, Ben Affleck persigue aspiraciones similares. Después de Adiós, pequeña, adiós, el conocido actor vuelve a colocarse en la silla del director para rodar The Town, en la que se ha rodeado del televisivo John Hamm y Rebecca Hall para firmar una cinta sobre ladrones profesionales.

El retorno de Joaquin Phoenix

Después de un par de año retirado de los platos de rodaje, Joaquin Phoenix se ha aliado con Casey Affleck, hermano del Affleck que acabamos de citar, para rodar un falso documental. Im still here tiene pinta de extravagancia absoluta, con un Phoenix metido a rapero, abandonadísimo y amigo de las sustancias ilegales. Dará que hablar. Seguro.

El cine oriental también tendrá su cuota de representación y hasta de reconocimiento. John Woo tiene previsto alzar el león de oro conmemorativo por toda una carrera dedicada al cine de acción. A Woo, que presentará Reign of Assassins, le acompañará Tsui Hark y el inclasificable Takashi Miike, entre los realizadores más conocidos.

La nómina de proyectos interesantes podría continuar y continuar. Tom Tykwer, Julian Schnabel y Julie Taymour también pasearán por la alfombra roja a orillas del Adriático para dar a conocer sus nuevos proyectos.

¿Y los españoles? Además de Álex de la Iglesia, nuestro cine contará con otras tres cintas, aunque fuera de la sección oficial. Se trata de Caracremada, una interesante ópera prima sobre la vida de un maquis durante los años centrales del franquismo, Guest, un documental de José Luis Guerín en el que narra la vida de un cineasta viajando de festival en festival y, por último, Lope, la historia producida por Antena 3 acerca del poeta y protagonizada por Alberto Amman.

Todo ello, en una edición del festival, la 67ª, que contará con Quentin Tarantino como presidente del jurado encargado de desvelar el ganador del león de oro. La israelí Lebanon, triunfadora del pasado año, ya aguarda a su sucesora.

EFE

Aunque Machete no se ha estrenado aún en EE UU, la película ya ha conseguido suscitar la polémica por su argumento, tachado de racista por algunas publicaciones, lo que ha provocado la respuesta de su director, Robert Rodriguez.

"Al contrario de lo que la revista The Hollywood Reporter sostiene -conocí al periodista antes del pase de prensa y ya tenía claro lo que iba a escribir antes de ver la película-, mi obra no es racista ni todos los villanos son blancos", dijo el director en un comunicado.

La popular revista especializada equipara el personaje de Don Johnson, un sheriff, con la figura real del aguacil del Condado Maricopa en Arizona, Joe Arpaio, y subraya los mensajes amenazantes que lanza un senador (encarnado por Robert De Niro) hacia los inmigrantes, como "mano dura con los espaldas mojadas".

Los dos personajes arrancan el filme asesinando a una mexicana embarazada justo antes de que traspase la frontera con EE UU. Después uno de ellos dice: "Bienvenida a América".

La respuesta de Rodriguez

En la película hay una violencia exagerada hasta lo cómico, litros de sangre, miembros amputados, un humor arrollador y un alegato nada sutil en contra de las actuales políticas migratorias de EE UU y la corrupción alrededor del sistema.

El cineasta explica que hay una mezcla cultural entre héroes y villanos y recuerda que el enemigo principal de Machete, el héroe protagonista -que pasa por ser hispano-, es un capo de la droga mexicano, interpretado por Steven Seagal.

"Machete representa al desvalido que hay en todos nosotros, y al igual que James Bond es británico, le di a Machete unos antecedentes y un trasfondo específicos para convertirlo en alguien más universal", añadió el director.

Rodríguez sostiene que la cinta, de estreno este viernes en EE UU, no trata el problema de la inmigración de forma directa, sino que se emplea como un simple gancho para ocultar las verdaderas intenciones de los malvados.

"La película es inteligente por cómo trata los problemas reales de hoy día y los presenta de forma divertida", aseguró el realizador tejano, quien cree que su obra se distingue del típico producto de Hollywood que presenta a los hispanos como los "malos" de las películas. "No diseñé esto con la intención de no dirigirme a determinados segmentos de la audiencia. La película es extremadamente divertida para todos", concluyó.

EFE

El joven Shia LaBeouf se confirma, por segundo año consecutivo, como el actor más rentable de Hollywood, según una lista publicada por la revista Forbes. La publicación ha calculado que el actor reportó a los estudios que le contrataron un promedio de 81 dólares (64 euros) en beneficios por cada dólar que se le pagó como sueldo.

El ranking del actor se debe a los enormes ingresos de Transformers: La venganza de los caídos, que amasó 836 millones de dólares (661 millones de euros) en todo el mundo, e Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, que recaudó 787 millones de dólares (622 millones de euros).

El segundo lugar es para Anne Hathaway, gracias en parte a los más de mil millones de dólares (790 millones de euros) en taquilla que cosechó Alicia en el país de las maravillas. La actriz generó una media de 64 dólares (50,6 euros) por cada dólar que cobró.

La lista de los cinco intérpretes más rentables la completan Daniel Radcliffe (61 dólares -48,2 euros- por cada dólar cobrado, gracias a la saga de Harry Potter), Robert Downey Jr. (33 dólares -26 euros- merced a trabajos como Iron Man 2 o Sherlock Holmes) y Cate Blanchett (27 dólares -21,3 euros- por filmes como Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal y Robin Hood).

Más atrás se encuentra Johnny Depp, que genera 18 dólares (14,2 euros) por cada dólar que recibe como sueldo, una cantidad que normalmente ronda los 20 millones de dólares, según publicaciones especializadas.

Forbes tuvo en cuenta a los 36 actores que más dinero ganan en Hollywood y que al menos hayan estrenado tres películas en el mundo entero en los últimos cinco años.

C.RULL

El actor estadounidense John Cusack encarnará al escritor Edgar Allan Poe en The Raven (El cuervo), según informa Heat Vision de The Hollywood Reporter. Una película que no será una biografía del célebre escritor de relatos breves de terror sino un thriller ficticio sobre su figura.

Concretamente, se centrará en los últimos cinco días de la existencia de Poe y su investigación junto con un detective para encontrar a un peligroso asesino en serie. Un psicópata que además de haber secuestrado a su novia se inspira en la narraciones del propio escritor para cometer sus crímenes.

Para dirigir The Raven, que debe su título a uno de los cuentos más famosos de Poe, los productores Aaron Ruder y Glen Basner, de la compañía FilmNation Entertainment, han contratado a James McTeigue, el realizador de V de Vendetta o Ninja Assassin.

El rodaje está previsto que empiece el 25 de octubre en escenarios de Budapest y Serbia que recrearán la ciudad norteamericana en Baltimore de 1849, año en que acontecerá la acción.

A John Cusack hemos tenido oportunidad de verle recientemente en la apocalíptica 2012, de Roland Emmerich, o en la comedia con sabor ochentero Jacuzzi al pasado. Entre sus próximos proyectos está Shanghai, un thriller romántico; y The Factory, otro filme de intriga que le pondrá también tras la pista de un asesino en serie.

EFE

La actriz Isabella Rossellini será la presidenta del jurado de la 61 edición de la Berlinale, según ha anunciado la organización del certamen cinematográfico, que se celebrará del 10 al 20 de febrero de 2011.

El director del festival ha explicado que "se trata de una artista polifacética y creativa con amplia experiencia en el cine europeo, estadounidense y mundial", subrayando los éxitos también como productora y realizadora de la hija de Ingrid Bergmann y Roberto Rossellini.

Isabella Rossellini acudió por primera vez a la Berlinale en 1994 como protagonista de la película de Peter Weir Fearless. Su debut como realizadora se produjo en 2008 con Forum Expanded, un filme documental de ocho episodios en el que presentaba la vida sexual de varios insectos e invertebrados como gusanos, libélulas, abejas o caracoles.

Este mismo verano Isabella Rossellini acudió a los estadios cinematográficos de Babelsberg, cerca de Berlín, para rodar la versión cinematográfica de la novela gráfica Pollo con ciruelas, de la escritora iraní Marjane Satrapi y Vincent Peronnaud.

Isabella Rossellini inició su carrera cinematográfica en 1976 de la mano de su madre en el filme de Vincent Minelli Matter of time y desde entonces ha trabajado a las órdenes de prestigiosos realizadores como Paolo y Vittoria Tavani, Norman Mailer, Abel Ferrara o David Lynch, entre otros muchos.

EFE

La película de animación Toy Story 3, rodada en tres dimensiones, ha logrado batir un récord de recaudación al obtener 1.012.126.000 dólares, correspondientes a las taquillas de todo el mundo.

En concreto, según informó Disney/Pixar, de los mil doce millones de dólares totales obtenidos con esta película, 606 corresponden a la taquilla internacional y 405, a la estadounidense.

En España, donde se estrenó el pasado 21 de julio, Toy Story 3 acumula más de 22 millones de euros (28 millones de dólares) y ha sido vista por 3.178.000 espectadores.

Disney se convierte así en el primer estudio de la historia que consigue alcanzar esta recaudación dos veces en un mismo año, ya que tanto Toy Story 3, como Alicia en el país de las maravillas, de Tim Burton, han superado esa cifra en 2010.

La primera vez que Disney batió esta marca fue en 2006 con Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto, pero es la primera vez que se alcanza ese récord con una película totalmente de animación.

"Ha sido un año increíble", ha dicho Rich Ross, presidente de The Walt Disney Studios, quien considera que "estos éxitos de taquilla demuestran que las historias creativas, hechas realidad a través de la imaginación por profesionales es algo a lo que el público responde en todo el mundo".

América Latina ha contribuido con 138 millones de dólares; en el Reino Unido ha llegado a los 102 millones y es la entrega de mayor éxito en la historia de Disney en este país, y en Japón, donde estuvo cinco semanas consecutivas en el primer puesto de la taquilla, se han superado los 109 millones de dólares.

C.RULL

Así lo ha hecho saber a través de su cuenta en Twitter.
El notable éxito del filme hace que Stallone piense en la secuela.
Willis es un misterioso agente de la CIA en 'Los mercenarios'.

Bruce Willis

"Cené con Bruce Willis la pasada noche. Lo quiero como supervillano en Los mercenarios 2 ¿qué pensáis?". Así de contundente se manifestaba Sylvester Stallone en su cuenta en Twitter sobre los planes que tiene para la secuela de Los mercenarios (The Expendables) la película estrenada recientemente de la que ha sido director, coguionista y protagonista junto con varias estrellas del cine de acción, actuales y de los años ochenta.

El largometraje ya incluye un cameo de Willis que comparte escena con otro icono del género como Arnold Schwarzenegger, ahora gobernador de California, y el mismo Stallone.

Pero su personaje podría ser idóneo, según Stallone, dar más jugo en esa posible segunda parte. Interpreta al Sr. Church, un enigmático agente de la CIA que contrata a Barney Ross (Stallone) para asesinar al dictador de un país sudamericano ficticio - pero que varios medios y espectadores han comparado con el presidente Hugo Chávez y Venezuela -.

Actores como Mickey Rourke, Dolph Lungdren, Jet Li, Jason Statham o Eric Roberts también aceptaron intervenir en esta aventura que ha costado 80 millones de dólares (unos 63 millones de euros) y sólo en Estados Unidos lleva recaudados 82 en apenas 3 semanas.

En cambio, Jean-Claude Van Damme, Kurt Russell o Steven Seagal declinaron aparecer en Los mercenarios, por lo que no se descarta que Stallone vuelva a insistir para reunirlos en una segunda entrega.

C.RULL

El actor californiano de 39 años Jeremy Renner ha sido el elegido para protagonizar junto con Tom Cruise la cuarta entrega de Misión: Imposible, según ha confirmado ComingSoon.

Cruise - que ha firmado para una quinta entrega -, volverá a encarnar al agente Ethan Hunt; mientras que Jeremy Renner interpretaría a uno de los agentes protegidos de Hunt. Será dirigida por Brad Bird, el director de los largometrajes de animación Ratatouille o Los increíbles, contando con J.J. Abrams en la producción, y empezará a rodarse este otoño con vistas a su estreno en Estados Unidos el 16 de diciembre de 2011.

Una tierra nada hostil

<p>Jeremy Renner</p> A pesar de haber trabajado en más de una treintena de producciones para cine o televisión, el salto a la fama le llegó a Jeremy Renner el pasado año gracias a su papel como protagonista en The Hurt Locker (En tierra hostil), la película de Kathryn Bigelow premiada con 6 Oscar en la pasada edición. Renner también fue nominado como mejor actor protagonista, aunque la estatuilla fue a parar a manos de Jeff Bridges por Corazón rebelde.

Sin embargo, el filme de Bigelow le valió una decena de premios, entre ellos el de las asociaciones de críticos de Boston, Chicago o Las vegas. También ha intervenido en títulos como 28 semanas después o El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford.

Entre sus próximos trabajos están Ciudad de ladrones, dirigida y protagonizada por Ben Affleck - y que se estrenará en España el 29 de octubre -, The Raven, sobre los últimos días de Edgar Allan Poe; The Master, lo nuevo de Paul Thomas Anderson o la película de superhéroes Los vengadores que prepara Joss Whedon, y en la que será Ojo de Halcón (Hawkeye).

Para Misión: Imposible 4, Paramount Pictures buscaba un nuevo rostro para relanzar la franquicia. Alguien más joven en el caso de tener que continuar la saga con más películas, y además Cruise parece haber perdido parte de su cotización después de que sus más recientes superproducciones, caso de Noche y día o Valkiria, no hayan sido los éxitos de taquilla esperados.

EFE

El cineasta James Cameron aspira a que el proyecto de saga iniciado con Avatar se convierta en un nuevo fenómeno de culto a la altura de historias como Star Wars, Star Trek o las obras de J.R.R. Tolkien, informó el diario Los Angeles Times en su edición digital.

El director de Titanic (1997), Aliens (1986) o Terminator (1984) se declaró un admirador de los universos galácticos creados por George Lucas y Gene Roddenberry (Star Trek) y confesó su intención de seguir sus pasos con Avatar.

"Tienes que competir mano a mano con estos otros trabajos épicos de fantasía y ficción, los Tolkiens, Star Wars y Star Trek. La gente quiere una realidad alternativa que sea constante para sumergirse en ella y quieren los detalles que la enriquecen y hacen que merezca la pena invertir su tiempo", dijo Cameron.

"Quieren vivir en otro lugar, como Pandora (el planeta inventado por Cameron donde transcurre Avatar)", señaló el director, quien este fin de semana vuelve a estrenar en los cines de EE UU la película con una versión extendida que añade más de 8 minutos al metraje de la original.

El universo de Avatar, también por escrito

El cineasta más taquillero de todos los tiempos está concluyendo una novela sobre Avatar que espera que salga al mercado en noviembre y se convierta en un manual de referencia para los seguidores de la película. El libro dará a conocer más aspectos de los personajes de la historia, así como del planeta Pandora.

"Se adentra en las bases de la cultura Na'vi, sus tradiciones y mitología, y cuenta más sobre la doctora Grace (encarnada por Sigourney Weaver) y el tiempo que pasó en Pandora, aunque no va más allá del final de la película", comentó Cameron, quien no obstante afirmó que sí dejará entrever qué ocurrirá en los nuevos filmes.

"Será la biblia sobre la que se apoyará cualquier publicación futura y la referencia para los escritores que quieran trabajar sobre este mundo", explicó el cineasta que espera evitar así confusiones entre los seguidores. "Piensa en todas las novelas sobre Star Trek y cómo se contradijeron unas a otras durante unos años. Eso hizo que fuera complejo ser un 'trekkie' por un tiempo", añadió Cameron.

La novela servirá, asimismo, para construir las dos próximas películas que completarán la trilogía de Avatar en esta década.