EP

El actor Daniel Radcliffe lo tiene claro: la Academia de Hollywood mantiene, según él, una especial inquina contra la saga Harry Potter. Y es que el actor inglés considera escasas las tres nominaciones -todas en categorías técnicas- que la última película ha obtenido para la próxima edición de los Oscar.

En una entrevista concedida a Radio Times y recogida por The Guardian el joven ha señalado que se encuentra "disgustado" por las tres nominaciones que tiene Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte II. "No creo que en los Oscar gusten las películas comerciales o para niños, excepto que estén dirigidas por Martin Scorsese".

Así de tajante se ha mostrado el joven mago en relación a sus nominaciones y a las de La invención de Hugo, que, aún siendo un film destinado al público infantil, ha conseguido 11 nominaciones. "Estoy ligeramente ofendido, ¿porqué Hugo y no nosotros?" añadió Radcliffe.

"Hay mucho snobbismo en esto de las nominaciones. Es descorazonador, aunque pensé que nunca me importaría". Es más, el actor británico dijo que "aunque sólo fuera por las horas y el trabajo invertido estaría bien haber tenido algo más de reconocimiento".

Y es que la exitosa saga Harry Potter no se ha hecho aún con ninguna estatuila, y eso que seis de las ocho películas del mago de Hogwarts han estado nominadas, eso sí, siempre en categorías técnicas. Tendremos que esperar al 26 de febrero para ver si -ésta vez sí- Harry Potter se alza con su primera estatuilla. Aunque, a tenor de sus declaraciones, a Radcliffe todo le sabrá a poco.

RAFA VIDIELLA

Nacida en Barcelona en 1986 pero de raíces inglesas y francesas, con solo dos años ya hacía anuncios. Después vinieron Los hombres de Paco y, sobre todo, No tengas miedo.

¿Se esperaba la candidatura?
Tenía curiosidad. Pero no sabía que se podía seguir en directo, así que esperé para verlo en Internet... cuando mi mejor amiga me lo dijo.

¿Qué sensación tiene?
Estoy muy contenta. Hace mucha ilusión que sean tus propios compañeros los que digan que has hecho un buen trabajo, con la cantidad de actrices que hay.

¿Y los amigos? ¿Qué le dicen?
¡Están más ilusionados que yo! Me felicitan, me dicen que lo disfrute y, algunos, que hasta me lo merecía.

¿Y se lo merece?
No sé si tanto, pero estoy contenta: ha sido uno de los papeles más duros que he tenido que afrontar, pero también el que me ha dado mayores satisfacciones. Con Armendáriz o Lluis Homar aprendes mucho.

Silvia, su personaje, es una chica que sufre abusos paternos. ¿Cómo se mete en un papel así?
El proceso fue duro. Lo que más me costó fue entenderla: no sabía que las víctimas experimentan una dependencia hacia el abusador o que se sienten culpables de lo que ocurre... Me costó, pero logré terminar entendiéndola.

Usted es ya popular: ¿qué le decía la gente por la calle?
Que les sorprendía el cambio. Soy muy risueña, muy alegre, y en la película soy todo lo contrario. Me decían que no parecía yo, y creo que ese es el mejor de los halagos.

Max Boraita analiza a las candidatas

No, ninguna lo pasa muy bien: dos (Blanca Suárez en La piel que habito y Michelle Jenner en No tengas miedo) sufren abusos sexuales. La otra (María León en La voz dormida) tiene una hermana presa y a punto de ser fusilada. Y una cuarta (Alba García en Verbo) necesita huir de una juventud triste y frustrada. Las cuatro jóvenes hacen unos trabajos más que brillantes. ¿Quién ganará? Las cuatro lo merecerían, pero León es mi favorita por su capacidad para hacer derramar lágrimas al gran público.

RAFA VIDIELLA

Esta madrileña (de 1988) es una de las alumnas más aventajadas de El internado, serie con la que saltó a la fama en 2007. Desde entonces, más éxitos televisivos (El barco), varios papeles en el cine (como Carne de Neón) y, sobre todo, el papel de hija de Antonio Banderas en La piel que habito, que puede darle un Goya.

Se enteró de la candidatura...
Estaba durmiendo, hasta que empezaron a llegarme muchísimos mensajes y me dije: algo pasa. ¡Y era esto!

¿Qué siente una candidata?
Es muy fuerte... Una parálisis general, porque es muy importante. Todos, alguna vez, hemos soñado con ser candidatos a un Goya, pero era un simple juego. ¡Hasta ahora!

¿Qué me dice de Almodóvar?
Que es muy duro, pero también muy satisfactorio, estar a su nivel, porque se exige mucho. Y lo hace porque disfruta haciendo películas, dando indicaciones... Y, claro, te contagia ese entusiasmo.

¿Ha cambiado su vida?
Sí. Pero no solo hacer la película: también promocionarla por medio mundo. Ha sido muy duro, una paliza, pero para eso estábamos.

¿Cómo ve a Norma Ledgard, su personaje?
Todo lo que rodea La piel que habito me resultará, siempre, entrañable. Fue duro, pero también me lo pasé muy bien, aprendí y disfruté muchísimo.

Quedan dos semanas para los Goya: ¿cómo las vivirá?
Según se acerque la fecha me iré poniendo más nerviosa. De momento, solo queda esperar que llegue el día y confiar en que todo vaya bien.

EFE

Las películas Mientras duermes, de Jaume Balagueró, y Eva, de Kike Maíllo, han acaparado los principales galardones de los IV Premios Gaudí, entregados esta noche en una gala que ha tenido lugar en el barcelonés teatro Arteria Paral·lel.

La velada ha comenzado con algo de retraso sobre el horario previsto y mientras todavía resonaban fuera los pitidos de protesta de bomberos y mossos d'esquadra contra los recortes.

Mientras duermes, que optaba a 15 estatuillas, ha obtenido seis: mejor dirección para Jaume Balagueró, el de la mejor película en lengua no catalana, mejor actor protagonista (Luis Tosar), mejor guión (Alberto Marini), mejor montaje (Guillermo de la Cal), sonido (Jordi Rossinyol, Oriol Tarragó y David Calleja)

En la gala, que ha reunido a algunas estrellas del cine catalán y español, el filme Eva, que partía con 16 nominaciones, se ha alzado finalmente con 5 premios: mejor película en lengua catalana, mejor fotografía (Arnau Valls Colomer), mejor actor secundario (Lluís Homar), mejor dirección artística (Laia Colet), mejores efectos especiales (Arturo Balseiro, Lluís Castell y Javi García).

Tras estas dos películas se ha situado Bruc, de Daniel Benmayor, que tenía doce nominaciones, y que finalmente ha ganado tres Gaudí técnicos: mejor dirección de producción (Victòria Borràs y Jordi Berenguer), mejor vestuario (Ariadna Papió) y mejor maquillaje y peluquería (Amparo Sánchez y Caitlin Acheson).

En el camino hacia los Oscar en los que opta a la estatuilla al mejor filme de animación, Chico & Rita, de Fernando Trueba, Javier Mariscal y Ton Errando, ha ganado dos Gaudí, el de mejor película de animación y el de mejor música original, obra de Bebo Valdés.

El documental de ficción 14 d'abril. Macià contra Companys, dirigido por Manuel Huerga, ha ganado el Gaudí al mejor filme para la televisión; y Barcelona, abans que el temps ho esborri, de Mireia Ros, ha obtenido el premio al mejor documental.

El premio a la Mejor Película Europea ha recaído en El discurso del rey, de Tom Hooper.

Bajo presupuesto

Dos de los premios más importantes han distinguido a producciones pequeñas como "Katmandú", que ha ganado el premio a la mejor actriz principal (Verónica Echegui), y "Catalunya über alles!", que se ha hecho con el Gaudí a la mejor actriz secundaria (Vicky Peña).

El cuadro de premios competitivos se ha completado con el galardón al mejor cortometraje, que ha sido para "Ahora no puedo", de Roser Aguilar.

Entre los asistentes a la gala, además de algunos de los ganadores, figuraban el presidente de la Generalitat, Artur Mas, el conseller de Cultura, Ferran Mascarell, blanco de las bromas de los presentadores.

Uno de los momentos más emotivos de la noche se ha producido cuando el productor y director Pere Portabella ha recogido el Gaudí de honor.

Primero Luis Tosar y después el propio Portabella han recordado al fallecido Jordi Dauder, "del que echaremos en falta su voz combativa y republicana", un actor todavía nominado por su participación en "Catalunya über alles!".

"Cataluña ha sido un espacio en el que las corrientes artísticas han tenido un espacio", ha apuntado Portabella quien ha dicho: "no debemos separar el arte y la política y precisamente hoy ha muerto una persona que era ejemplar, Antoni Tàpies".

Portabella ha querido desdramatizar la tan anunciada crisis del cine al decir que vive "en un momento exultante" y ha reflexionado que "las dificultades pasan por un sistema de producción y distribución que han quedado obsoletos, en el que el espectador ha pasado a ser usuario, exige inmediatez y quiere participar".

El cine, ha añadido, "se debe instalar en la pantalla global y debe explorar la retribución económica".

C.RULL

El éxito de Los descendientes, protagonizada por George Clooney, y una de las 9 candidatas al Oscar a la mejor película, no está siendo para nada efímero. Tercer fin de semana en cartel y sigue manteniéndose como la vista con 1,12 millones de euros recaudados, según datos de Rentrak Spain, y superando los 6 desde que se estrenó. Todo un triunfo.

La segunda más vista fue una de las novedades del pasado viernes, Los Muppets - más conocidos aquí como Los teleñecos -, que está obteniendo también buenas críticas. En cuanto a recaudación, 770.000 euros en sus 3 primeros días.

Tercer lugar para Underworld: El despertar, las batallas entre hombres lobo y vampiros, liderados por la actriz Kate Beckinsale, con 760.000, y aproximadamente unos 2,8 millones amasados en 10 días. Cuarta fue J. Edgar, con Leonardo DiCaprio como protagonista y Clint Eastwood tras las cámaras, que ingresó 690.000 euros y rebasa los 2,1 millones en semana y media.

Cifra similar a la de la comedia española Promoción fantasma, de Javier Ruiz Caldera - director de Spanish Movie -, que debutó en quinta posición. Menos suerte está cosechando la comedia, con Adam Sandler y Santiago Segura, Jack y su gemela que descendió a la sexta plaza.

Entre el resto de novedades del pasado viernes, Moneyball: Rompiendo las rreglas, ambientada en el mundo del béisbol y otro título nominado en los Oscar como mejor película, protagonizada además por una de las grandes estrellas del cine actual como es Brad Pitt, tuvo que conformarse entrando en séptimo lugar.

Mientras que otra de las propuestas españolas que se estrenaron el viernes, Katmandú, un espejo en el cielo, debutó en octavo lugar con 410.000 euros - estrenándose sólo en 150 salas, en comparación, por ejemplo, con las 356 de Los Muppets -.

Spielberg y Lucas dispuestos a dar guerra en la taquilla

Y en cuanto a las novedades de este próximo viernes que pueden tener bastante peso en taquilla, ahí estarán Caballo de batalla (War Horse), de Steven Spielberg, o el reestreno de Star Wars: Episodio 1 - La amenaza fantasma, de George Lucas, en 3D.

Entre las producciones españolas, el thriller Lo mejor de Eva, con Leonor Watling y Miguel Ángel Silvestre dirigidos por Mariano Barroso.

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Esa presentación sirvió como base para una emisión simultánea por varias ciudades del mundo, donde espectadores y medios fueron testigos del nuevo tráiler de la cinta y de un avance con imágenes inéditas centrado en la relación entre sus dos protagonistas: el alter ego del superhéroe, Peter Parker (Andrew Garfield), y Gwen Stacy (Emma Stone).

El evento conectó en distintos momentos con salas de cine de Nueva York, Río de Janeiro y Londres, adonde acudieron Garfield, Stone y su compañero de reparto Rhys Ifans, respectivamente, para charlar sobre sus personajes.

"Sólo un loco habría dicho que no a este papel", dijo el joven Garfield, quien da vida a un superhéroe que en los últimos años tuvo el rostro de Tobey Maguire dentro de la saga de Sam Raimi. "Estoy aterrorizado, pero también tranquilo por lo que hemos hecho en la película", añadió.

Por su parte, Stone resaltó que, a diferencia de Mary Jane Watson, la chica en la que se centraba la relación amorosa de Peter Parker en la franquicia de Raimi, su personaje "se enamora de Parker y no de Spider-Man", como ocurría en aquellas cintas. Finalmente Ifans, que encarna al doctor Curt Connors, destacó "el aspecto humano e íntimo" que une a Parker y a su personaje, una relación que queda hecha añicos cuando Connors se transforma en el villano del filme, El Lagarto.

La cinta, rodada en 3D, cuenta con un reparto en el que también aparecen Denis Leary, Campbell Scott, Martin Sheen y Sally Field.

Esta nueva entrega del superhéroe arácnido retomará la historia de Spider-Man desde sus inicios, cuando Parker descubre sus poderes siendo un alumno de bachillerato. El nombre de esta nueva aventura de Spiderman en la gran pantalla coincide con el de la colección de cómics lanzada por Marvel en 1963, The Amazing Spider-Man.

Entre 2002 y 2007, Columbia Pictures llevó a los cines una trilogía de ese superhéroe que consiguió más de 2.400 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo.

EFE / VÍDEO: ATLAS

Las estrellas de Hollywood del momento celebraron este lunes en Los Ángeles la tradicional comida de nominados a los Oscar en un ambiente distendido y jovial marcado por los reencuentros y las anécdotas y con importante presencia latina.

En torno a 150 invitados asistieron al almuerzo en el hotel Beverly Hilton, en el lujoso barrio de Beverly Hills, donde los trajes de chaqueta reemplazaron al formal esmoquin y los artistas pudieron departir tranquilos lejos de la atención de los periodistas, a los que atendieron brevemente antes de la comida.

"La gente en casa piensa que nosotros quedamos a menudo, pero la verdad es que no veía a Brad (Pitt) desde hace un año y es divertido ponernos al día", explicó George Clooney, uno de los primeros en llegar a la cita.

Su amigo Pitt se mostró igual de complacido con la experiencia, a la que acudió acompañado por su compañero de reparto en Moneyball, Jonah Hill, que fue nominado por primera vez en su carrera por su papel de secundario en esa película.

Otro de los debutantes en los Oscar, el mexicano Demián Bichir (A Better Life), aterrizó horas antes en la ciudad californiana en un vuelo procedente de su país justo a tiempo para encontrarse con Clooney y Pitt en la entrada del salón donde se sirvió la comida.

"Estaba hablando con Brad y George", dijo a la prensa Bichir, a quien le costaba asimilar la situación. "Es raro, bizarro, y eso hace la experiencia muy emocionante y extraña", aseguró Bichir quien conversó con los famosos galanes del cine de Hollywood de "bromas y tonterías".

Clooney apuntó que para Bichir habrá un antes y un después de A Better Life gracias a la repercusión que ha tenido su nominación. "Esto cambiará su carrera", afirmó el intérprete que calificó el filme de Bichir de una película "realmente maravillosa" detrás de la que hay "una gran historia".

Los nomidados españoles

Bichir disputa el Oscar de mejor actor con Pitt (Moneyball), Clooney (The Descendants), el francés Jean Dujardin (The Artist) y el británico Gary Oldman (Tinker Tailor Soldier Spy), quien tuvo palabras de elogio para el trabajo del compositor español Alberto Iglesias, autor de la música de su filme.

"Creo que es genial, es fenomenal, y no lo digo porque esté yo en la película", apuntó Oldman.

Iglesias logró una candidatura en la categoría de mejor banda sonora por Tinker Tailor Soldier Spy y estuvo presente en el almuerzo, lo mismo que otro español, el cineasta Fernando Trueba, quien llegó a Los Ángeles tras un viaje aéreo desde Europa plagado de incidencias y retrasos.

Trueba, ganador de un Oscar de película extranjera por Belle Epoque (1992), entró esta vez en la carrera por la estatuilla en la categoría de animación con Chico & Rita, un reconocimiento que supuso una alegría aunque dijo ser poco amigo de este tipo de eventos sociales.

Por su parte, la actriz francesa nacida en Argentina Bérénice Bejo se dirigió a la prensa en español para confesar que "todo el mundo está muy emocionado" en el país sudamericano por su candidatura, a pesar de que ella guarda pocos recuerdos de su vida en Buenos Aires.

Bejo, candidata a la estatuilla como mejor actriz secundaria por The Artist, admitió estar tranquila ante la ceremonia, lo mismo que Bichir, más preocupado por la obra de teatro que tiene entre manos actualmente en México.

La francoargentina le restó importancia a su paseo por la alfombra roja, donde los famosos se someten al escrutinio de millones de espectadores y numerosos críticos de moda. "Quiero estar guapa y sentirme bien. Lo más importante es que a mi marido, Michel Hazanavicius, le guste cómo me queda el vestido", dijo la intérprete.

A la comida de los nominados asistieron entre otros Glenn Close, Viola Davis, Michelle Williams, Jean Dujardin, Nick Nolte o Max von Sydow, quien opta al premio de mejor actor de reparto por "Extremely Loud and Incredibly Close", y se refirió a las similitudes entre su película y la de Demián Bichir.

"Él está maravilloso", dijo Von Sydow, para quien A Better Life es una historia positiva que trata de "esperanza y amor" igual que su filme.

La ceremonia de la 84 edición de los Oscar tendrá lugar el 26 de febrero en el teatro Kodak de Los Ángeles.

20MINUTOS.ES / EUROPA PRESS

• La final de la Liga de Fútbol Americano acoge los tráileres de las películas que esperan atraer a más público en las salas de cine.
• 'Los Vengadores' o 'John Carter' son dos de las principales.
• Espectacular actuación de Madonna en la Super Bowl.

La Super Bowl no solo es la final de la Liga de Fútbol Americano (NFL). Además, es un acontecimiento capaz de reunir durante más de cuatro horas a cien millones de personas frente al televisor y un perfecto escaparate publicitario donde se alternan los anuncios millonarios con espectaculares actuaciones de artistas de la talla de Madonna.

También las principales productoras cinematográficas utilizan este escenario para presentar ante la audiencia los adelantos de las películas que esperan que se conviertan en los grandes éxitos de la taquilla del año.

Es solo un minuto, deben mostrar lo mejor de los largometrajes que aspiran a encandilar al público. Este año trataron de hacerlo los de Los Vengadores, Battleship y John Carter, entre otros. Mira aquí las imágenes:

'Los Vengadores'

"Yo tengo un ejército", le dice Loki a Stark. "Nosotros tenemos a Hulk", le contesta despreocupado Iron Man. Así termina el spot de un minuto de Los Vengadores que se pudo ver durante la Super Bowl. La reunión de superhéroes de Marvel llegará a los cines españoles en abril de 2012.

'Battleship', hundir la tropa

Otro de los adelantos que se esperaba con más incertidumbre era el de Battleship, la adaptación a la gran pantalla del popular juego de mesa Hundir la flota. Aunque más que al juego en sí, recuerda a la saga Transformers, el propio spot no esconde sino que presume del referente. Liam Neeson, Alesander Skarsgard y Rihanna protagonizan la cinta dirigida por Peter Berg y cuyo estreno también está previsto para abril.

'John Carter', sorprendente

Uno de los más sorprendentes fue el clip de John Carter, la adaptación de la novela Una princesa de Marte, de Edgar Rice Burrough que produce la factoría Disney-Pixar y que mezcla imagen real y digital. Personajes fantásticos, monstruos increíbles, bellas mujeres y mucha, mucha acción es lo que nos ofrece la película protagonizada por Taylor Kitsch.

'Lorax'

En el descanso de la Super Bowl también se presentó un adelanto de Lorax, en busca de la trúfula perdida, la nueva criatura de los creadores de Gru, mi villano favorito que promete diversión para los más pequeños... también en 3D.

RAFA VIDIELLA

Lo dice imdb.com, la base de datos de cine más popular: "Bella y muy talentosa, es una de las actrices más destacadas de su generación". Esta es su tercera candidatura a un premio que todavía no ha ganado.

Candidata... ¿cómo se enteró?
Siempre escucho la radio, y esa mañana, más. Pero lo dijeron con retraso y ya me había llamado un montón de gente.

¿Sabía que sonaría su nombre?
No, pero sí sentía que muchos compañeros de La piel que habito podrían ser candidatos. 16 nominaciones... ¡Es increíble!

¿Cómo afrontó el personaje?
Siempre tenemos que crear quién es, cómo afronta la vida, por qué lucha y cuáles son sus sueños. Aquí, además, sufre una gran transformación.

¿Qué hay de usted en él?
Las ganas, el coraje... Pero es mucho más valiente, fuerte y resistente que yo. Le di mucho, pero también recibí un poso para la vida y para entender todo mucho mejor. Y otra cosa: entiendo muy bien sus ganas de volver a casa y abrazarse con la gente que quiere.

¿Qué le preocupaba cada día, después del rodaje?
Había preparado mucho el papel: fueron varios meses de ensayos con Almodóvar, y él llevaba diez años acariciando el proyecto y sabía perfectamente lo que quería. Cuando alguien te lo cuenta todo tan clarito y no te deja dudas, basta con concentrarte cada día en darlo todo y llegar descansada al plató.

¿Qué diferencia a Almodóvar de otros directores?
Es uno de los grandes. Es muy exigente y apasionado, lo da todo por su oficio, y eso es muy bonito. Entiendo que pida el máximo, porque él lo da todo. Es un maestro por su forma de arriesgar, porque lleva más de treinta años regalándonos películas maravillosas, y es muy difícil encontrar a alguien con tanto talento, entrega y ganas de arriesgar.

Con 'La piel que habito' hizo, en efecto, una obra arriesgada.
¡Hay que estar muy loco para escribir ese guión! Pero ha funcionado bien, ha gustado mucho... Estoy muy contenta.

¿Es necesario cumplir años, tener más experiencia, para afrontar un papel como este?
Me alegro mucho de que me haya llegado ahora. Me quedan muchas cosas por vivir, pero ya he vivido unas cuantas, y eso suma en la experiencia. En lo que puedes contar con la mirada, en lo que has aprendido de la vida y los personajes. Llevar más años en esto te da tranquilidad a la hora de trabajar con Almodóvar.

El papel era una oportunidad, pero también mucha presión.
Al principio me moría de los nervios. Sí, era mucha presión, mucha angustia. Pero había que dejarlas en casa, porque no podían verse en pantalla

¿Aporta sabiduría vital encarnar a personajes tan variados?
Es una manera de conocer al ser humano muy peculiar, muy bonita. Te hace comprender mejor a la gente de carne y hueso, a los que están cerca. También entiendes más tus inseguridades, que todos cojeamos por algún sitio.

Hace cine desde 1996, ¿hace eso vivir, aprender, más rápido?
No lo sé. No sé qué vida llevan los demás... Supongo que quien trabaje en una caja del H&M aprende, cada día, tela marinera... Yo estoy muy satisfecha y contenta con todo lo que me ha dado mi oficio.

Los Goya son el 19 de febrero, ¿cómo lo llevará hasta ese día?
Te puedes poner muy nerviosa, así que intentaré tomármelo con mucha calma y disfrutar mucho de cada momento. Hacer esta película ya era un premio, luego las candidaturas... Nunca me había pasado. Lo he soñado muchas veces, pero no quiero estar histérica durante estas dos semanas. Los nervios me sientan fatal, a veces te pueden jugar una mala pasada, así que prefiero disfrutar de todo esto.

Dígame dos películas que no están nominadas pero que recomendaría a la gente.
Me gusta mucho La mitad de Óscar: es una película maravillosa. Y también Medianeras, porque está Pilar López de Ayala, una actriz muy especial.

BIO: Nació en Palencia en 1975. Tras despuntar en África o Familia, ganó el premio de la Unión de Actores con Lucía y el sexo. Ha trabajado en proyectos internacionales como Van Helsing o Dead Fish, y ha hecho obras de teatro como Kabul. Optó al Goya a la mejor actriz de reparto por Lucía y el sexo, y al de actriz principal por Habitación en Roma.

Los premios del cine, cada día

Durante estas dos semanas, 20minutos ofrecerá entrevistas y encuentros digitales con algunos de los protagonistas de los Goya. José Coronado, Luis Tosar, Pilar López de Ayala, Blanca Suárez o Verónica Echegui desfilarán por nuestro especial y por las páginas del diario. Encuestas, críticas, curiosidades... ¡Disfruta del cine con nosotros!

EFE

Los teatros del West End, como es conocido el circuito de grandes escenarios del centro de la capital británica, batieron en 2011 el récord de recaudación en taquilla por octavo año consecutivo, con 528,3 millones de libras (631,4 millones de euros o 833,9 millones de dólares).

Los datos hechos públicos esta semana por la Sociedad de Teatro de Londres (SOLT, en sus siglas en inglés) recogen el balance en taquilla de 52 grandes teatros de Londres y muestran que en 2011 la venta de entradas ascendió el 3,1% respecto a 2010.

Esta organización atribuyó el crecimiento en las ventas al éxito de algunas musicales nuevos como Matilda y grandes éxitos como Los Miserables, que lleva 26 años consecutivos interpretándose en la capital británica.

También contribuyó al crecimiento de recaudación la gran acogida de producciones como la versión de Frankenstein del director de cine Danny Boyle, la premiada Jerusalem o la comedia One Man, Two Guvnors.

En cambio, la asistencia general a los espectáculos descendió el 1,73%, con un total de 13,9 millones de personas, lo que la SOLT atribuyó a la apuesta por grandes espectáculos, que obligan a los teatros a cerrar sus puertas durante más tiempo para preparar los montajes.

A pesar de ese dato, la SOLT señaló que la audiencia media a cada actuación continuó su ascenso en 2011, lo que ayudó a equilibrar y aumentar la recaudación.

"Estamos muy orgullosos de que nuestros teatros hayan conseguido de nuevo un nuevo récord de ventas anuales, con muchos espectáculos logrando nuevas marcas de forma individual", afirmó el presidente de la SOLT, Mark Rubinstein, quien espera que este año sea aún más boyante, por la llegada masiva de turistas de cara a los Juegos Olímpicos.

Esta optimista previsión contradice las declaraciones del compositor y productor teatral Andrew Lloyd Webber, quien advirtió recientemente de que las Olimpiadas de Londres van a ser una "sangría" para los teatros, ya que "la mayoría tendrán que cerrar" por falta de público.

El autor de Evita y Cats dijo en una entrevista radiofónica en la BBC que "nadie va ir al teatro" durante el verano debido a evento deportivo que se celebrarán en la capital británica del 27 de julio al 12 agosto.

EFE

El cine israelí se ha colado por cuarta vez en los últimos cinco años en la ceremonia de los Oscar, esta vez con Footnote, de Joseph Cedar, en un nuevo ejemplo de la madurez que ha alcanzado tras medio siglo en busca de un lenguaje propio.

La cinta se disputará la preciada estatuilla a la mejor película de habla no inglesa con la belga Bullhead, la polaca In Darkness, la canadiense Monsieur Lazhar, y (para deleite de los aficionados al morbo político) la iraní Nader y Simin, una separación.

Footnote narra la rivalidad entre dos académicos del Talmud, padre e hijo, que se agudiza con una confusión sobre el ganador del premio más prestigioso del país.

Se trata de la cuarta nominación israelí desde que Beaufort, del mismo director, rompiera en 2007 una racha de 22 años consecutivos fuera de la ceremonia en Los Ángeles.

Vals con Bashir, de Ari Folman; y Ajami, de Scandar Copti y Yaron Shaní, obtuvieron el mismo honor en los dos años siguientes, lo que abrió un debate, apuntalado ahora por la candidatura de Footnote, en los círculos del sector cinematográfico: "¿qué secreto esconde el cine israelí?".

¿Por qué el tirón del cine israelí?

El séptimo arte en el Estado judío tuvo una primera etapa patriótica de escaso interés, seguida de las tristemente famosas "películas burekas", una expresión que toma el nombre de un popular hojaldre relleno y hace referencia a los 'espagueti-western' para definir largometrajes más bien banales sobre inmigrantes sefardíes.

En los ochenta y noventa trató de abrirse paso con un lenguaje estético de influencia europea y en precarias condiciones de financiación (en 1995 apenas se produjeron cinco largometrajes) y público (sólo un 0,3% de los israelíes vio filmes locales en 1998, mientras que "Footnote" suma ya 300.000 entradas vendidas en un país de 7,5 millones de habitantes).

"Antes se asumía que una película israelí sería mala, aburrida o las dos", asegura Yehuda Stav, crítico cinematográfico del diario Yediot Aharonot.

Fueron cinco décadas no exentas de joyas (The summer of Aviya, Life According to Agfa, Late Summer Blues...) y, de hecho, Israel también encadenó cuatro nominaciones en cinco años en los setenta, pero siempre con la sensación de que las películas locales carecían de personalidad propia.

"Había cine de calidad israelí, pero no era israelí", resume en un juego de palabras Yvonne Kozlovsky, directora del departamento de Estudios Culturales y Cinematográficos de la Universidad de Haifa.

Fue en este contexto en el que, presionado por la industria, el Parlamento aprobó en 2001 la primera Ley del Cine, que aumentó las ayudas a 14,3 millones de euros.

A esto cabe sumar otros dos elementos fundamentales: la proliferación de hasta trece escuelas de cine y la nada desdeñable apuesta europea, sobre todo alemana y francesa, por las coproducciones.

En la actualidad se producen anualmente una veintena de películas, lo que "desde una perspectiva meramente estadística explica parte de los éxitos recientes", argumenta Stav.

Temas a los que no estamos acostumbrados

"Creo en cambio que lo más importante es la 'israelidad' de temas que no están acostumbrados a ver en Europa y Estados Unidos, la inclusión de problemas morales y la huida de géneros puros", prosigue.

Son guiones muy locales sobre dilemas y sentimientos muy universales, a diferencia del retrato frío, el trazo grueso o el maniqueísmo político que lastraban anteriores obras.

Beaufort, por ejemplo, se sumerge en el miedo y dudas de los últimos soldados israelíes que se retiran del sur de El Líbano en 2000, Waltz with Bashir repasa el trauma de un exmilitar por la masacre de Sabra y Chatila, Ajami deconstruye con crudeza la pléyade de problemas sociopolíticos del país y Footnote enmarca un conflicto familiar en el elitista mundillo académico de Jerusalén.

"Es un cine local y personal, postraumático, con sentimientos y ambivalencia", define Kozlovsky.

Aner Preminger, cineasta, director del departamento de cine y televisión del centro académico Sapir de Sderot y profesor en la Universidad Hebrea de Jerusalén, advierte contra el entusiasmo y las conclusiones apresuradas. "Es más una cuestión de relaciones públicas que otra cosa. Waltz with Bashir es excelente y Footnote interesante, pero en estos años hubo películas mejores. Lo que ha cambiado sobre todo es que el mundo está más abierto a ver lo que pasa aquí. El mundo ha descubierto el cine israelí", añade.

"Hay asuntos, como la separación entre religión y Estado o la identidad nacional o judía que aún no se han resuelto. Y estas contradicciones, desde un punto de vista cinematográfico, son muy interesantes", argumenta.

Los Oscar son sólo un termómetro relativo de la calidad de un film, pero el rosario de premios internacionales, el aumento del interés del público y la inagotable fascinación que genera Israel apuntan a que su cine puede haber encontrado definitivamente una voz propia y compleja.

EFE

El actor Jorge Sanz tiene planes de volver a tocar en la Orquesta Club Virginia como Tony, el joven músico protagonista de esta película de Manuel Iborra (1992), pero ahora en un musical basado en ese mismo guión. Según ha indicado el propio Sanz esta semana, se pretende que el musical disponga de un reparto muy similar al de la película, que contó con actores como Antonio Resines, Enrique San Francisco o Pau Riba, y que esté listo para verano del año próximo.

El actor, que hoy interpreta en el teatro Olimpia de Valencia "el malo" de la versión teatral de la película de Hitchcock Crimen perfecto, ha dicho sentirse un intérprete "fundamentalmente de cine".

"Todos mis referentes vienen del cine, incluso en el teatro. Por eso, cuando elijo las funciones, escojo las películas que me han gustado, porque pienso que así disfrutará el público también", ha declarado en una entrevista reciente.

Sanz, que lleva 33 años actuando, ha dicho que no le importa ser un actor encasillado: "Los encasillamientos son maravillosos para los actores. No concibo a Cary Grant sin encasillar", ha comentado. "La suerte es que lo hagan en un personaje simpático. Que me hayan encasillado me parece bien, estoy a gusto", ha añadido.

EFE

Sigourney Weaver rodó Luces rojas en 2011 con Rodrigo Cortés en Barcelona, donde se sintió "catalana por unos días", estrenará en abril el thriller rodado en Madrid The Cold Light of Day, y ahora que Pedro Almodóvar prepara un guion en inglés, asegura que le enviará un email. "Tengo que intentarlo", dice.

"Ha sido un año español maravilloso", asegura en una entrevista telefónica la actriz que, también recuerda, le echó un cable a su amigo Ridley Scott cuando se quedó sin Isabel la Católica para 1492: La conquista del paraíso y acabó siendo "reina por un día", rodando en Salamanca y Sevilla.

"Debería aprender español, me encanta la gente allí. Es simpática y muy graciosa. Adoro especialmente Barcelona", prosigue esta fan incondicional de Almodóvar. "Es un hombre estupendo. ¿Puedes avisarme, por favor, si necesita a una actriz estadounidense?", pregunta.

La actriz, después de haber alcanzado la gloria en la tetralogía de Alien, formar parte de los Cazafantasmas y renacer para Hollywood en el planeta Pandora de Avatar, se encarga ahora de desenmascarar cualquier rasgo sobrenatural en Luces rojas, de Rodrigo Cortés.

En la película, que se estrena el 2 de marzo en España, encarna a Margaret Matheson, "una mujer realmente interesante, brillante y excéntrica en su pasión por este campo paranormal" quien, junto a Cillian Murphy, intenta encontrar la trampa al parapsicólogo interpretado por Robert De Niro.

"Interpreto a una experta en desmantelar fenómenos paranormales, así que voy a observar, probando si existe una dimensión que no sea los fantasmas. Los miedos de la gente son un gran negocio", explica mientras se prepara en Nueva York para interpretar en el Lincoln Center Vanja, Sonja, Marsha and Spike, una actualización del teatro de Chéjov.

Sin Hollywood en la cabeza

Y es que hace ya tiempo que Sigourney Weaver no tiene Hollywood entre sus grandes prioridades. "Damos demasiada importancia a Hollywood. Cada actor debe decidir cuánto negocia con la industria, pero creo que lo bueno de nuestro trabajo es que las mejores cosas pueden aparecer sin más, como me pasó con Rodrigo Cortés", asegura.

Luces rojas, que ha polarizado las reacciones en Sundance, le gusta precisamente por eso: "No te lleva de la mano y te sobreprotege como otras películas de Hollywood. Te deja en un limbo, con más dudas incluso de las que tenías cuanto entraste en el cine", asevera.

Nominada tres veces al Oscar (por Alien: El regreso, Gorilas en la niebla y Armas de mujer) no echa de menos estar en la primera línea de los grandes estudios, pues eso le ha permitido alternar con cintas como La tormenta de hielo, por la que ganó el BAFTA ("ya tengo un Óscar inglés", bromea), Mi mapa del mundo o Rampart.

Sigourney Weaver ha marcado desde siempre su propio camino. Desde el día en que, con 11 años, se dio cuenta de que su nombre, Susie, no le gustaba, y decidió apropiarse otro sacado de El Gran Gatsby, uno de sus libros favoritos.

"Era fan de Scott Fitzgerald y cuando tenía 11 años era igual de alta que ahora (mide 1,80 metros). Susie me parecía un nombre de ardilla y pensé que Sigourney era el de una persona alta, así que empecé a llamarme así a mí misma. Ahora lo pienso y me fascina que siendo tan pequeña tomara una decisión tan radical, aunque ahora algunos me llaman Sigouey y me vuelve a sonar a ardilla", bromea.

Estará en 'Avatar 2' y descarta hacer otro 'Alien'

Con idea de volver a las secuelas de Avatar ("será algo totalmente distinto, aunque no puedo decir nada", avanza), a quien no quiere resucitar es a su célebre teniente Ripley, aun cuando Prometheus, la precuela no oficial de la saga Alien, desempolvará sin duda la fiebre por aquellas películas.

"No sé nada de 'Prometheus', pero si la hace Ridley Scott estoy tranquila, porque está en buenas manos. Creo que está basada, además, en una idea que le di yo hace tiempo, la de explorar el planeta original de donde proceden los aliens. Es más sano que hacer otro 'Alien'. Hemos hecho cuatro películas muy interesantes, ¡dejemos descansar a esa mujer!", concluye.

EFE

La película de la inocente Blancanieves llegó a abrumar de éxito a su creador, Walt Disney, quien terminó por cansarse de que su primera princesa de cuento le robara el protagonismo a sus siguientes obras, confesó su hija mayor.

Diane Disney, de 77 años, conversó con motivo del lanzamiento el 8 de febrero en España en Blu-ray y DVD de otro de los clásicos del estudio del ratón Mickey, La dama y el vagabundo, y repasó el legado de su padre escenificado en el museo familiar inaugurado en 2009 en San Francisco.

En las instalaciones ocupa un lugar destacado Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje de animación que fue un hito en la carrera de Walt Disney, quien montó una producción de 83 minutos mientras los escépticos en Hollywood pronosticaban que nadie aguantaría tanto tiempo viendo dibujos.

La cinta se estrenó en 1937 y las colas para asistir a las proyecciones terminaron por dar la razón a Disney, quien en 1939 recibió un Óscar honorífico por elevar a grado de filme un género que hasta ese momento existía solo en cortometrajes.

Aquel inusual trofeo compuesto por 8 estatuillas, siete de ellas miniaturas en referencia a los enanitos de Blancanieves, se puede contemplar también en el museo del que es cofundadora Diane Disney, para quien su padre se vio superado por los acontecimientos.

"Cuando haces algo que es muy popular la gente siempre te lo recuerda y él se cansó de todo eso. Solía decir que estaba harto de Blancanieves, que todo el mundo le hacía referencias a eso mientras que él siempre estaba pensando en su siguiente proyecto", explicó Diane Disney.

A Blancanieves le sucedieron Pinocho y Fantasía en 1940, Dumbo (1941), Bambi (1942), y no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial cuando Disney retomó los relatos de princesas con Cenicienta (1950). La dama y el vagabundo debutaría en 1955 y sería la primera rodada en Cinemascope.

'La dama y el vagabundo'

"Ese no es un cuento de hadas, es más realista", apuntó Diane Disney sobre la cinta que narra el romance entre una cocker spaniel con pedigrí y un perro callejero, una obra emblemática de la compañía que Disney se resistió a producir durante algunos años hasta que dio con el guión adecuado.

"Él siempre creía que tenía que tener una historia, podía ser una sencilla, pero tenía que estar bien elaborada", manifestó su hija, que recuerda la época de "La dama y el vagabundo" como muy "estimulante" para su padre por el nacimiento de su primer nieto y la apertura del primer parque Disneyland en California.

Ese filme vuelve ahora renacido en alta definición con numerosos contenidos extra, con tres escenas inéditas y una nueva canción, I'm Free as the Breeze, o el vídeo musical de Bella Notte, tema de la icónica secuencia del beso de los perros al calor de un plato de pasta.

"Pienso que él estaría entusiasmado por todo lo que está pasando", afirmó Diane Disney por el hecho de que los trabajos de su padre sean reestrenados "con un aspecto mucho mejor del que jamás pudieron tener" cuando se grabaron originalmente.

Además del regreso de La dama y el vagabundo, el estudio Disney se ha propuesto mostrar de nuevo, en este caso en los cines, clásicos pasados al formato 3D, una experiencia que funcionó muy bien en taquilla con El rey León que el año pasado recaudó casi 100 millones de dólares (unos 76 millones de euros) en EE UU.

La bella y la bestia (3D) está actualmente en cartelera y ya ha cosechado más de 42 millones de dólares (unos 32 millones de euros) en Norteamérica, mientras que Buscando a Nemo, Monstruos S.A. y La sirenita se encuentran en proyecto para transformarlas a formato 3D.

No está claro si el creativo Disney imaginó que el 3D llegaría a ser un estándar en las películas de animación, aunque sí se adelantó a su tiempo al apostar por mezclar acción real y dibujos en sus primeros cortos, como Alice Comedies, fechados en la década de 1920.

Disney vs Steve Jobs

La muerte de Walt Disney en 1966, con 65 años, víctima de un cáncer de pulmón, conmocionó a la sociedad estadounidense tal y como ocurrió con Steve Jobs, cofundador de Apple, quien falleció en octubre de 2011 por un cáncer de páncreas cuando tenía 56 años.

Jobs llegó a formar parte de la dirección del estudio Disney cuando les vendió Pixar, compañía que él mismo reflotó y con la que revolucionó la animación moderna en 1995 con Toy Story, la primera película de dibujos hecha íntegramente por ordenador.

"Creo que no eran personas similares, pero Jobs fue un innovador y se preocupaba de su público porque les presentaba sus productos en sus convenciones anuales. Mi padre habría usado sus productos, habría sido uno de sus grandes seguidores", afirmó Diane.

20MINUTOS.ES / AGENCIAS

El conocido actor británico Daniel Radcliffe, que durante años encarnó en la gran pantalla al mago Harry Potter, prueba ahora suerte con La mujer de negro, una cinta de terror para la que buscó inspiración en las películas españolas Los otros y El orfanato.

"Cuando empezamos el proyecto, nos basamos en el tono de El orfanato y Los otros. Queríamos que esta película, que es muy oscura, se pareciera a ellas", dijo Radcliffe en una entrevista en Nueva York durante la promoción de un filme dirigido por James Watkins y que se estrena este viernes en Estados Unidos.

El popular intérprete reconoció que Los otros (2001), dirigida por Alejandro Amenábar y protagonizada por Nicole Kidman, es una película "preciosa", además de una de sus cintas de terror preferidas "de todos los tiempos".

"Te cuenta las cosas poco a poco y, como en la nuestra, la historia se construye alrededor de personajes reales y no sólo sobre momentos concretos de terror", explicó Radcliffe, que, sin embargo, no conocía "El orfanato, de Juan Antonio Bayona, hasta que se la mostró Watkins.

El director británico y el actor habían hablado sobre la cinta de Amenábar y un día Watkins le envío la película de Bayona "para que viera qué pasos debía seguir" y así descubrió un filme "realmente bueno, profundo y conmovedor" que no ha parado de recomendar desde entonces.

"No queríamos hacer una película de terror más, sino algo con más profundidad, como la que tienen esas dos cintas", señaló el actor británico, para quien lo mejor de La mujer de negro fue trabajar para lograr "un proyecto de terror, pero que no se olvidara de conmover".

"Si La mujer de negro es así, es porque debemos mucho a Los otros y a El orfanato. Estoy convencido de ello", dijo Radcliffe, quien asegura que este filme no tiene nada que ver con lo que ha hecho antes. El actor está convencido de que funcionará porque "no hay nada que al público le guste más que pasar miedo".

Basado en una novela homónima que la británica Susan Hill publicó en 1983 y con guión de Jane Goldman (Kick-Ass), es un thriller sobrenatural de época en el que Radcliffe interpreta a Arthur Kipps, un abogado y padre viudo enviado a un alejado pueblo británico a poner en orden los documentos de un cliente fallecido recientemente.

RAFA VIDIELLA

• La cineasta estrena su última película, 'Katmandú, un espejo en el cielo'.
• Icíar Bollaín habla sobre las dificultades de enfrentarse a un elenco con actores no profesionales y de sus impresiones de la vida en Nepal
• Consulta los estrenos de la semana.

Como siempre, la cineasta Icíar Bollaín se muestra encantadora. Dispuesta a hablar de todo. Y dando la sensación de que, más allá de promocionar una película, disfruta y hace disfrutar de la conversación.

Otro rodaje lejos de España.
Sí, pero por casualidad. Tanto También la lluvia como Katmandú, un espejo en el cielo eran propuestas ajenas, pero me encantaron.

¿Qué aprendió como directora?
Nunca me había enfrentado a tantos actores no profesionales y llegué a asustarme. No estaban acostumbrados a hacer cine y temía que se bloquearan, pero no pasó. Y si logras que estén cómodos, le dan mucha verdad a la película.

¿Y qué aprendió como persona?
Sobre todo, a valorar nuestros logros sociales: la educación, la sanidad pública... Son lujos que no hay en casi ningún sitio y que deberíamos preservar. Sin ellos no habrá progreso, desarrollo ni igualdad.

¿Qué le gustó más de Nepal?
Su forma de vivir, más tranquila. El pararse a charlar. Que cuiden y respeten a los ancianos. O que vivan en total precariedad, pero sin amargura.

¿No temía reflejar, solo, los problemas y los errores de otros?
No. Mostrar las cosas duras de una sociedad no excluye que haya otras maravillosas. Además, no solo quería dar leña, sino también mostrar su riqueza de culturas, de etnias... Nepal no son solo chabolas: también es hospitalidad, fraternidad o cuidados.

¿Qué le aportó usted a Nepal?
De momento, he creado curiosidad. No quería hacer un anuncio, pero mucha gente me dice que quiere ir por la película. Y eso los ayuda, porque muchos viven del turismo.

¿Qué sintió al volver a España?
Lo que te decía: emoción por todo lo que tenemos. Y también rabia por la crisis, por los recortes que quieren hacer... Si, además de trabajos, perdemos en educación o sanidad, la brecha se abrirá más.

¿Por qué se recorta en ayuda internacional y, en cambio, se dan miles de millones a los bancos?
Lo de los bancos es muy fuerte... Entiendo que, de primeras, suene lógico no mandar dinero fuera tal y como estamos. Pero, a la larga, la cooperación es equilibrio, sostenibilidad. ¿Dar dinero a los bancos? ¡Pero si ganan dinero y son muy responsables de lo que ha pasado! ¿Por qué no se gravan las grandes transacciones? Ahí no se recorta.

¿Nota, como cineasta, la crisis?
Todo está cambiando, y será más complicado. La gente lo está pasando mal, ir al cine es un lujo y vamos a poder rodar muchas menos películas. Pero lo que más me asusta es que los tejidos industriales son frágiles y la crisis va a terminar con cosas, con industrias, que será difícil recuperar. Y no solo en el cine: mira la prensa.

Vuelve a hablar de la mujer.
Puedes mirar hacia otro lado, pero problemas como el maltrato, o cómo están las mujeres en Nepal, existen. Si lo tienes delante y te interesa, ¿cómo no vas a mostrarlo?

Josefina Molina me decía que las mujeres deben participar más en política.
Seguro que también hay muchas mujeres arremangadas, haciendo dinero y alejadas de la gente, pero una mayor paridad daría mejores resultados.

¿Para hacer qué?
Quizá, para cambiar las prioridades. ¿Qué importa más, la gente o los beneficios? ¿El equilibrio, redistribuir la riqueza o las multinacionales?

¿Hay luz al final de la crisis?
Me pregunto dónde. Si la prioridad es mantener un sistema económico que olvida a la gente, no. Pero al menos hay más debate, más voces y las personas hablan cada vez más.

Biografía

Nació en Madrid en 1967. Debutó como actriz en El sur (1983) y como directora en Hola, ¿estás sola? (1995). Ganó dos Goya con Te doy mis ojos (2003): mejor director y mejor guión original. Tiene tres hijos con el guionista Paul Laverty.

'Katmandú...', una odisea femenina

No sabemos mucho de Laia, la protagonista de la película Katmandú, un espejo en el cielo: que es catalana, joven, guapa y que algo le hace huir de su pasado. Pero, sobre todo, sabemos que acaba de llegar a Katmandú, capital de Nepal, donde empieza a trabajar como voluntaria en una escuela local.

Pero querer ayudar no es suficiente. Aunque Laia trata de enseñar a los niños, colabora con las madres y lucha contra la pobreza y la injusticia, a su alrededor no paran de surgir los problemas. Acosada por la burocracia y muy poco dispuesta a participar en la corrupción del país, tendrá que casarse con un desconocido para seguir en Nepal. Y no solo eso: su propio afán de justicia chocará, todo el rato, con algunas costumbres locales.

La directora española más conocida por el gran público, Iciar Bollain, vuelve a enfrentarse en esta película a una historia femenina. Aquí mezcla algunas de las preocupaciones vistas en Hola, ¿estás sola? o Te doy mis ojos con el exotismo y la espiritualidad de su anterior trabajo, También la lluvia. El resultado es la crónica de un viaje interior y el retrato de un lugar maravilloso, pero también lleno de miserias y desigualdad.

Protagonista absoluta, la joven Verónica Echegui es la responsable de aguantar el peso del relato. La que fuera protagonista de Yo soy la Juani no solo habla en inglés casi toda la cinta: además, recorre casi todas las emociones que un ser humano puede experimentar. Debe haberlo conseguido: Echegui es una de las candidatas al Goya a la mejor actriz.

Mira a continuación imágenes de la película 'Katmandú, un espejo en el cielo'.

ARANCHA SERRANO

Una inusual película está estos días en cartelera: Arrugas, una historia sobre el alzhéimer, nominada a dos premios Goya (mejor guión adaptado y mejor película de animación), que también estuvo preseleccionada para los Oscar. Está basada en el cómic homónimo de Paco Roca, que recibió el Premio Nacional de Cómic 2008, entre otros muchos galardones, y que actualmente es un gran éxito de ventas: lleva 50.000 ejemplares vendidos (una cifra sobresaliente para un cómic español) y va por su octava edición.

Otro Premio Nacional de Cómic, El arte de volar (2010), del guionista Antonio Altarriba y el dibujante Kim, fue nominado este año al Gran Premio del Festival Internacional de Angulema, el más prestigioso del mundo en su área. No se llevó el galardón, pero su edición francesa, que salió al mercado la pasada primavera, ya va por su sexta edición y ha vendido 30.000 ejemplares. Además, la obra se publicará próximamente en otros países como Turquía, Corea, Alemania, Italia y Brasil.

Esto es solo la punta del iceberg. La novela gráfica realista ya no es cosa de minorías: se trata de un fenómeno que lleva gestándose muchos años y que ahora se está haciendo mediático. "Ha conectado con un nuevo público, con lectores que no eran aficionados al cómic", confirma Laureano Domínguez, editor de Astiberri.

Para Montserrat Terrones, de La Cúpula, el realismo contemporáneo y costumbrista siempre ha estado ahí, desde los años sesenta y Robert Crumb: "De alguna manera él ha sido el predecesor de la novela gráfica actual, permitió ampliar la temática, le dio el carácter adulto y estableció el concepto del cómic de autor". Hasta entonces, apunta Montserrat, los que más se conocían eran los cómics de superhéroes y de fantasía. "Después irrumpieron Maus [único cómic con premio Pulitzer] y Persépolis, y se produjo una eclosión que permitió que la novela gráfica fuese conocida por el gran público y que el cómic entrara en las librerías generales, no solo en las tiendas de cómics".

Ahora, Arrugas y El arte de volar han logrado que la fiebre por la novela gráfica se asiente en España. "Una persona que se haya leído Arrugas acabará leyendo otras novela gráficas", asegura Montserrat.

Antonio Altarriba, autor de El arte de volar, coincide en este punto: "Se están incorporando muchos lectores y sobre todo lectoras. Hay muchas que vienen a las firmas y es importante que se incorpore el público femenino, hasta ahora casi inexistente. Este formato parece que conecta con su sensibilidad".

Un cómic muy personal

La novela gráfica realista se desarrolla en un mundo cercano y cotidiano, suele tener un alto componente biográfico; sus historias afectan de manera personal al autor, muchas veces son relatos en primera persona. Su objetivo no es reivindicativo, pero sí puede abrir los ojos a realidades y situaciones sociales diferentes. Buenos ejemplos de ello son Ghost World (Daniel Clowes), Píldoras azules (Frederik Peeters), Blankets (Craig Thomson), Palomar (Gilbert Hernández), y novedades como Pagando por ello, de Chester Brown.

Y si la novela gráfica realista española está experimentado un gran auge, no solo dentro de nuestras fronteras sino también fuera (el Festival de Angulema dedicó dos exposiciones al cómic español en su última edición) ha sido gracias a editoriales como Astiberri, Edicions de Ponent, Sins Entido o Dibbuks, que llevan años apostando fuerte por el producto patrio. Ahora se les une ¡Caramba!, que nació en junio de 2011 y que está causando furor con una de sus primeras obras, basada en un webcómic: Let's Pacheco, de las hermanas Carmen y Laura Pacheco, una aproximación a su familia con su particular padre como protagonista indiscutible.

Otros títulos nacionales destacables son ¿Quién ama a las fresas? (Clara-Tanit Arqué) sobre una adolescente que se siente excluida, y Rest In Peace, de Felipe Almendros, sobre la lucha del autor contra la depresión y la agorafobia. Y no falta quien ironiza con el fenómeno: En Otra puta novela gráfica, de Jorge de Juan, el autor cuenta solo con una semana para dar con un buen drama social que le sirva como argumento.

Una catarsis para el autor

A sus 90 años, el padre de Antonio Altarriba se suicidó arrojándose por un balcón. Torturado por la culpa, el hijo comenzó a escribir la historia de la vida de su padre. "El cómic tiene un lenguaje muy expresivo para contar las inquietudes personales", asegura Antonio. "Saqué lo que tenía dentro, que era mucho. Quería contarlo en profundidad, hasta lo reprochable. Estaba rozando la depresión y me aferré a la escritura para soltar la rabia y el dolor, para echarlo fuera. Y funcionó". Altarriba asegura que ahora se siente en paz. "El inconveniente es que no he enterrado a mi padre, lo llevo siempre encima, su presencia es continua, pero ya estoy bien con él".

5 preguntas a Paco Roca

El autor de Arrugas también ha publicado Memorias de un hombre en pijama.

1. ¿Prefiere hablar de sí mismo o de los demás?
(Risas) Siempre es más fácil hablar sobre uno mismo, aunque da más vergüenza. Pero incluso cuando hablas de los demás también hablas de ti mismo.

2.¿Qué aporta este tipo de cómics frente a otros?
Tienen más libertad respecto al formato y a los temas que tocan.

3. ¿Lo ha cogido desprevenido el éxito de Arrugas?
Sí, de todo lo que había hecho era lo menos comercial: una historia sobre la vejez, el aburrimiento, la monotonía...

4. ¿Le ha cambiado el éxito como autor?
Te cambia para lo bueno y para lo malo: todo lo que haces tiene más repercusión, pero también te da más miedo arriesgar.

5. ¿Dibujó Arrugas en pijama?
Sí, es parte de la libertad del autor: estar en pijama todo el día.

EFE

Los carteles promocionales de Les infidèles (Los infieles) del protagonista de The Artist, Jean Dujardin, serán retirados a petición de la Autoridad de Regulación profesional de la Publicidad (ARPP) francesa debido a su carácter "indecente".

El director general de la ARPP, Stéphane Martin, dijo que su connotación sexual "no es aceptable" en un anuncio que está "en la calle a la vista de personas de todas las edades", por lo que tras estudiar las dos quejas recibidas por su organismo, ha pedido al dueño de los soportes publicitarios, JC Decaux, que los retire.

La imagen más polémica de Les infidèles muestra a una mujer de espaldas arrodillada frente al otro protagonista de la película, Gilles Lellouche, que tiene los brazos de la chica apoyados sobre su cuerpo y aparece colgando una llamada con su esposa mientras le dice "se va a cortar, voy a entrar en un túnel".

La ARPP, que autorregula el sector publicitario, considera que la promoción de esa película, que versa sobre el adulterio, "sobrepasa ciertos límites y daña la imagen de la persona humana".

Aunque los carteles muestran a la mujer en una situación más comprometida que la del hombre, Martin precisó que la decisión de su organismo habría sido "la misma" si la postura de los actores hubiera sido la inversa.

JC Decaux se ha comprometido con la ARPP a reemplazar los actuales carteles "como muy tarde" este viernes, y ha informado de que los nuevos, que se intuyen más recatados, ya se encuentran en fase de impresión.

No es la primera vez que un cartel promocional desata la controversia en Francia. El de películas como Larry Flint, que exhibía a su protagonista "crucificado" sobre un cuerpo femenino en ropa interior, también tuvo que ser sustituido por las denuncias recibidas por parte de asociaciones católicas. Las quejas dirigidas contra otros en los que se exhibía tabaco también tuvieron éxito: en 2009 la película Coco Chanel no pudo publicitarse en el metro de París porque la protagonista, Audrey Tautou, aparecía fumando, y el biopic sobre Serge Gainsbourg corrió la misma suerte por idénticos motivos.

20MINUTOS.ES / AGENCIAS / VÍDEO: ATLAS

La Academia de Cine ha eliminado este jueves la candidatura a los Goya de The Little Wizard. O mago dubidoso, del gallego Roque Cameselle, en la categoría de mejor película de animación, por incumplir las normas de los premios.

"La Junta Directiva de la Academia de Cine, reunida en sesión ordinaria el 1 de febrero, ha declarado no elegible a los Premios Goya la cinta The Little Wizard. O mago dubidoso, de Roque Cameselle (Deboura Cinema), por incumplimiento de las bases de participación", señala una nota de la Academia.

La decisión tiene como origen un problema en los títulos de crédito de la película, según ha explicado el presidente de la Academia, Enrique González Macho.

"Debido a unas anomalías en los títulos de crédito, la película se retiró cautelarmente, y los problemas no han sido finalmente subsanados", ha señalado González Macho, que ha insistido en que se trata de un problema puramente formal. En concreto, los créditos no atribuían correctamente las autorías de la música del film. La decisión fue tomada por unanimidad y es "inapelable", según las bases de la XXVI edición de los Premios Goya.

Sin embargo, Alberto Cameselle, productor del filme de animación ha asegurado que el aviso del error se les notificó "mucho después" de la nominación de la película y que los materiales fueron enviados dentro del plazo, aunque por un retraso en Correos, no llegaron a la Academia a tiempo. Según el productor, de 27 años y hermano del director, "la suspensión llegó el viernes pasado e inmediatamente preparamos el nuevo rodillo, que enviamos".

Alberto Casemelle asegura que la decisión de la Academia es recurrible por vía judicial y están valorando si tomar ese camino, ya que "hemos tardado 5 años en levantar esta película y somos una productora pequeña, no sabemos si tendremos dinero para enfrentarnos a la industria". Sin embargo, ambos responsables no han querido responsabilizar a la Academia de lo ocurrido.

Según el director de la película Roque Cameselle, de 30 años, la retirada de la carrera por los Goya supone un duro golpe para su proyecto. The Little Wizard se estrenará en toda España en marzo próximo y hasta ahora sólo se ha proyectado en Galicia.

The Little Wizard competía con Arrugas, Carthago Nova y Papá, soy una zombi por el Goya a la mejor cinta de animación del año, según la lista de nominaciones hecha pública el 10 de enero pasado.

Los Goya se entregarán el próximo 19 de febrero en una gala en el Palacio Municipal de Congresos de Madrid.

EFE

La venta de localidades comenzó el martes y la demanda fue tal que colapsó numerosos servidores de Internet. Los espectadores que lograron su entrada serán de los primeros en revivir en la gran pantalla el viaje y el hundimiento del famoso transatlántico plasmados en el largometraje de 1997 dirigido por James Cameron y ganador de once premios Oscar.

Las proyecciones del día de San Valentín tendrán lugar en las principales ciudades de EE UU así como en Argentina, Brasil, España, México, Australia, Alemania, Francia, Italia, Japón, Nueva Zelanda, Reino Unido, Sudáfrica y Taiwán.

El lanzamiento mundial de Titanic en su formato estereoscópico está previsto para el 6 de abril.

Hasta el debut en 2009 de Avatar, también de James Cameron, Titanic ostentaba el título de la película más taquillera de la historia tras lograr una recaudación superior a 1.800 millones de dólares. Avatar consiguió en la venta de entradas más de 2.700 millones de dólares.

EFE

La empresa de fotografía Eastman Kodak, en suspensión de pagos desde el día 19 de enero, solicitó este miércoles poner fin al contrato de patrocinio del teatro de Hollywood que lleva su nombre donde se entregan los Oscar desde hace una década, según el pedriódico The Wall Street Journal.

La compañía buscó amparo en los tribunales para terminar con el acuerdo que firmó en 2000 y por el que se bautizaba Kodak al famoso teatro durante los siguientes 20 años a cambio de 75 millones de dólares (unos 56 millones de euros). Los gestores de Kodak confían en que, debido a su crítica situación económica, los jueces les concedan el permiso para romper ese contrato.

El magistrado Allan L. Gropper, de la Corte especializada en bancarrotas de Manhattan, en Nueva York, se pronunciará sobre esta petición de Kodak en una vista fijada para el 15 de febrero, apenas 11 días antes de la celebración de la 84 edición de la gala de los Oscar.

"Los deudores han evaluado el contrato en consulta con sus asesores profesionales y determinaron que cualquier beneficio asociado con esos derechos es probable que no supere o iguale el coste asociado", se explicó en la documentación entregada en los juzgados.

Eastman Kodak, con alrededor de 130 años de historia a sus espaldas, se acogió el 19 de enero al Capítulo 11 de la Ley de Bancarrotas de Estados Unidos para reestructurar su negocio en vista de su incapacidad para competir en el mercado de la fotografía digital.

¿Un nuevo patrocinador?

El teatro Kodak forma parte del área comercial y de ocio llamada Hollywood & Highland, por su ubicación en la esquina del bulevar de Hollywood y la calle Highland, cuya obra supuso una inversión de 94 millones de dólares (71 millones de euros).

Las instalaciones, propiedad de la inmobiliaria CIM Group, se inauguraron en noviembre de 2001 y el teatro acogió su primera ceremonia de los Oscar en marzo de 2002.

En caso de que los tribunales eximan a Kodak de seguir patrocinando el teatro, su nueva denominación dependería de la gestión de CIM Group que podría buscar un nuevo socio que quisiera reemplazar el hueco dejado por la marca fotográfica. "Eso es algo entre CIM y quien sea que ellos consigan. No es una decisión de la Academia (de Hollywood)", dijo su presidente, Tom Sherak, a la revista Variety.

La organización de los Oscar, no obstante, tiene derecho a vetar el futuro nombre si es que considera que no encaja con la ceremonia de premios.

Paralelamente, la Academia y CIM Group se encuentran en conversaciones para determinar si los Oscar continúan celebrándose en el teatro Kodak más allá de 2013.

La constructora AEG Group, propietaria del teatro Nokia y el Staples Center, pabellón deportivo donde juegan Los Angeles Lakers, suena entre las interesadas para hacerse con el contrato, que supondría el traslado de los Oscar desde Hollywood hasta el centro de la ciudad de Los Ángeles.

RAFA VIDIELLA

Tras Buried y Linterna verde, Ryan Reynolds encarna al 'bueno' de El invitado.

¿Se sentía capaz de hacer cualquier papel tras Buried?
¡Quizá! Fue como una maratón... Cuando llegué a Barcelona me dijeron que serían 17 días de rodaje, pero fueron como tres años de dolor. Y sí, me preparó mentalmente para cualquier papel.

¿Fue Washington un maestro?
Crecí con sus papeles, y es importante respetar a actores como él. Hay mucho ego en Hollywood, pero no tengo ningún problema en reconocer que aprendí mucho de su disciplina, de cómo cuida los detalles. Y lo más maravilloso es que sigue aprendiendo, está abierto a cosas nuevas.

Ha hecho muchos papeles por su físico y le conocemos, sobre todo, por su relación con Scarlett Johansson. ¿Se siente reconocido como actor?
No me motiva ser candidato a los Oscar, sino formar parte de todo tipo de proyectos. En ese sentido, tengo suerte: trabajo en la actuación desde los 13 años, así que debo formar parte del 1% de los actores que viven de esto. Además, espero tener una carrera larga, en la que pueda recorrer muchos papeles interesantes.

RAFA VIDIELLA

Aunque ya peine canas y haya engordado unos kilos, sigue siendo el heredero de Sidney Poitier: voz ronca, complicidad con la prensa y una presencia imponente.

¿Qué le atrajo de El invitado?
El proyecto atraía mucho a mi agente, Greg Limato, que murió en 2010. Éramos muy amigos y murió antes de que me sumara al proyecto, así que acepté para homenajearle. Pero no era solo eso: me gustaba Dinero fácil, la anterior película del director, Daniel Espinosa, y al conocerle me impactó su vida (nació en Chile, se crió en África, fue un niño de la calle y ahora vive en Estocolmo) y su talento. También me gustaba el guión.

¿Cómo es su personaje?
Un sociópata mentiroso que siempre quiere llevar la razón.

¿Se siente más cómodo en la piel de un héroe o de un villano?
Me gusta la variedad. Antes de esta película encarné en una obra de Broadway a un basurero que acaba cuidando al bebé de su amante: ¿es un personaje bueno o malo? No lo sé... Y en Flight, mi próximo filme, interpreto a un piloto alcohólico y drogadicto. Así que no sigo un plan: ¡ahora me apetece hacer una comedia!

¿Está tan podrida la CIA como muestra El invitado?
Sería ingenuo creer que revelamos algo nuevo... La CIA, el FBI o vuestro servicio de inteligencia trabajan en la sombra: no seamos tan inocentes como para creer que todos son tipos honestos, sinceros y buenos. Lo aceptamos, porque nos gusta sentirnos protegidos y creer que podemos vivir tranquilos, porque sabemos que ellos harán el trabajo sucio y no nos importa qué cosas malas sucedan en el camino. La gente prefiere ignorarlo: a los que os gusta descubrir esas historias es a los periodistas. Así es el periodismo: ¿por qué no hay ningún programa llamado Buenas noticias, solo sobre cosas buenas?

¿Y Hollywood? ¿Está podrido?
Hollywood es, simplemente, el lugar al que los turistas van a ver las huellas de los famosos. La industria del cine ha cambiado: trabaja en todos lados, es un negocio mundial con directores chilenos o actores asiáticos... ¿Que si está podrido? No, solo se hacen películas. Entretenimiento. Nada más, no es algo tan serio.

Usted encarnó a Malcom X o al boxeador Rubin Huracán Carter, auténticos mitos negros. ¿Fue una gran responsabilidad?
Sí. Pero, más que nada, porque eran personas reales, sobre las que el público ya tenía una opinión. Hace poco me ofrecieron encarnar a Nelson Mandela, pero no me veía en el papel y lo rechacé. Además... ¡no puedo interpretar yo solo a todas las leyendas negras!

¿Le gustaría alguna en especial?
Sí, Thelonius Monk, uno de los grandes músicos de jazz de la historia con graves problemas mentales. Dejó de tocar el piano de pronto y no lo tocó nunca más. Decidió dejar de hablar. Y, un día, decidió quedarse en la cama, y allí murió. Es una historia fascinante.

¿Y alguna otra película comprometida? ¿Hay algún tema que le interese en particular?
No hice ninguna de esas películas por una determinada causa: eran buenos guiones, buenos personajes y los productores pensaron en mí. Los filmes no son mejores por tener una causa política: para eso están los documentales. Si uno quiere manifestarse por algo, no debe esconderse detrás de una película, sino hacerlo a cara descubierta.

Su personaje en El invitado es un espía al que los años han vuelto un cínico. ¿Y usted? ¿Cómo le ha sentado el paso del tiempo?
Al revés, estoy más centrado y convencido de que solo he de aceptar buenos papeles. Cada vez tengo menos tiempo y oportunidades para hacer buenas películas, y cuando deje este mundo me gustaría pensar que lo hice lo mejor que pude. Ya no es solo ganar dinero y tener relojes, coches o casas, sino intentar hacer cosas mejores. Puedo viajar más, probar nuevos personajes... Cada vez soy menos cínico.

Hablando de viajar, rodó El invitado en Sudáfrica. ¿Cómo está el país?
Cuando protagonicé en 1987 Grita libertad, una película sobre el apartheid que rodamos en Zambia y Mozambique, me dijeron que si pisaba Sudáfrica mi cabeza acabaría atravesada por un palo. Hasta 1995 no pude visitar el país: fui de vacaciones a Ciudad del Cabo y Johannesburgo y, aunque estuve con Desmond Tutu y Nelson Mandela, seguía habiendo mucha tensión. Ahora el país ha cambiado, el Mundial transformó muchas cosas, pero sigue habiendo cicatrices psicológicas y mucha miseria. Hay tensión, como en otros muchos lugares.

El director de El invitado dice que, al conocerle, estaba impresionado. ¿Le suele pasar?
¡Sí! No, en serio: soy un tipo ordinario con un trabajo extraordinario.

El caballero negro de hollywood

Washington ha logrado algo tan difícil como ser considerado uno de los rostros más atractivos del cine y que nunca se dude de su capacidad actoral. No solo eso: además de actor de éxito, ha producido películas y documentales y ha dirigido dos largos, Grandes debates y Antwone Fisher.

Grita libertad (1987). Este drama le dio su primera candidatura al Oscar.

Tiempos de gloria (1989). Oscar al mejor secundario.

Malcolm X (1992). Uno de sus mejores papeles, aunque Pacino le arrebató la estatuilla.

Huracán Carter (1999). Magnífico trabajo. Logró un Oso de Plata al mejor actor en la Berlinale.

Training Day (2002).Gran título, donde el actor brilla como villano.

American Gangster (2007). Dirigía Ridley Scott y, dicen, Washington cobró la friolera de 25 millones de euros. Compartió escenas con Russel Crowe.

C.RULL

La saga iniciada en 2003 por el director Len Wiseman, de las batallas entre vampiros y licántropos, sigue gozando de buena salud en taquilla. La cuarta entrega, Underworld: El despertar, y protagonizada nuevamente por Kate Beckinsale, era la más taquillera el pasado fin de semana en Estados Unidos. En éste se estrenaba también en nuestras pantallas, y aunque no ha podido ser la primera ha debutado en segunda posición con 1,51 millones de euros, según datos de Rentrak Spain.

Una cifra notable para una serie que podría estar agotada y que para la ocasión ha contado con sangre nueva, los directores suecos Mans Marlin y Bjorn Stein, para insuflarle vida al proyecto. En definitiva, buenos resultados comerciales; pero el primer lugar de la taquilla española lo sigue ocupando, sorprendentemente y por segunda semana consecutiva, el drama Los descendientes, protagonizada por George Clooney, y una de las 9 candidatas a mejor película en esta edición de los Oscar.

El largometraje de Alexander Payne amasó 1,63 millones - sólo un ligero descenso respecto a los 1,9 que cosechó el pasado fin de semana -, y supera nada menos que los 4 millones en 10 días en cartelera. Cifra que ya desearían muchas de las producciones que nos llegan desde Hollywood.

Otro de los estrenos de interés del pasado viernes era J. Edgar, la biografía sobre el polémico fundador del FBI que ha realizado el veterano Clint Eastwood con un camaleónico Leonardo DiCaprio. No consigue el impacto de las más recientes películas de Eastwood como Más allá de la vida, Gran Torino o El intercambio, pero se hizo con unos más que aceptables 1,08 millones.

Tras ellos, en cuarta posición, la comedia Jack y su gemela, recogiendo en su segunda semana 840.000 euros, y elevando su recaudacion por encima de los 2,3 millones en semana y media de exhibición. Quinta fue Sherlock Holmes. Juegos de sombras, con 570.000 euros y unos 7,7 millones en casi 4 semanas.

En cuanto al resto de las novedades, Bajo amenaza, un thriller con Nicole Kidman y Nicolas Cage, entró en sexto lugar; mientras que Albert Nobbs - con Glenn Close nominada al Oscar - debutó en décima posición. The Artist también notó el efecto de las nominaciones a los Oscar, con un total de 10 candidaturas y se mantiene en la lista de las más taquilleras, concretamente situándose en octavo lugar.

EFE

Zindagi Na Milegi Dobara (ZNMD, nombre original en hindi) se llevó el premio a la mejor película, mejor dirección, mejor diálogo, mejor actor de reparto, mejor película para los críticos, mejor cinematografía y mejor coreografía en la gala Filmfare.

Los premios Filmfare son considerados en la India un equivalente a los Oscar estadounidenses, y en la ceremonia de entrega se reúnen destacadas personalidades de la industria cinematográfica de Bombay (oeste), la más prolífica del planeta.

En esta ocasión, el certamen, celebrado este domingo, tuvo por primera vez presencia española, porque el premio de mejor cinematografía fue a parar al director de fotografía Carlos Catalán, cuya labor en ZNMD había concitado el aplauso unánime de la crítica india.

"Creo que el premio se debe a que hemos seguido una línea naturalista, no tan glamourosa como la de otras películas. Hemos rodado de un modo sencillo y natural y les habrá gustado la imagen", dijo Catalán desde Bombay.

Catalán inició su carrera en Londres, hasta que, durante el rodaje de un anuncio de publicidad en Hong Kong, conoció a un director indio, Imtiaz Alí, que le propuso participar en el rodaje de un videoclip en Bombay, donde finalmente se ha establecido.

"Es una historia rocambolesca. El tipo de cine que se hace aquí es diferente del de Europa y se basa en las estrellas. Así que a veces es un poco surrealista, pero la verdad es que estoy muy contento y todo el mundo me ha tratado muy bien", agregó Catalán.

La mejor coreografía fue también para ZNMD, por la canción Señorita, ambientada en un pueblo andaluz, que cuenta con la voz de la cantaora gaditana María del Mar Fernández y fusiona elementos tradicionales del baile español con los típicos del cine indio.

Los protagonistas ven una fiesta andaluza y quieren "participar de la alegría y la magia de la fiesta, sin romper su espíritu, así que se suman a ella con lo que saben bailar", dijo uno de los dos responsables de la coreografía, Bosco Martis.

"Nos basamos en muchos vídeos de flamenco español. Ha sido una gran oportunidad para mezclar las dos culturas. Los españoles son muy guapos y algunos parecen indios", agregó Martis, quien se mostró dispuesto a repetir la fusión "si surge la ocasión".

Zindagi Na Milegi Dobara, estrenada en 2011, ha contado con apoyo económico de la Oficina de Turismo de España y se convirtió en un gran éxito en la India, donde se situó entre las películas más taquilleras del año y adquirió popularidad entre las clases urbanas.

El filme sigue el periplo de tres amigos por lugares turísticos y fiestas españolas, como la Costa Brava, la tomatina de Buñol (en la provincia de Valencia), un pueblo andaluz o los San Fermines de Pamplona.